Ernie Curtis

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Ernest (Ernie) Curtis nació en Cardiff el 10 de junio de 1907. Jugó al fútbol local en Gales antes de unirse al Cardiff City en 1926. A pesar de su corta edad, Curtis se convirtió en el habitual exterior izquierdo del club.

En 1927, Curtis fue miembro del equipo que llegó a la final de la Copa FA contra el Arsenal. Con 17 minutos para el final, Hughie Ferguson disparó a la portería del Arsenal que golpeó a Tom Parker y el balón rodó lentamente hacia Dan Lewis, el portero. Como Lewis explicó más tarde: "Me puse manos a la obra y la detuve. Por lo general, puedo levantar una pelota con una mano, pero como estaba acostada sobre la pelota. Tuve que usar ambas manos para levantarla, y ya un Cardiff hacia adelante estaba corriendo hacia mí. La pelota estaba muy grasosa. Cuando tocó a Parker, evidentemente había adquirido un giro tremendo, y por un segundo debió haber estado girando debajo de mí. En mi primer toque se disparó por encima de mi brazo ".

Ernie Curtis, comentó más tarde: "Estaba alineado con el borde del área penal por la derecha cuando Hughie Ferguson disparó un tiro que el portero del Arsenal se había agachado un poco antes. La pelota giró mientras viajaba hacia él, después de haber tomado un una ligera desviación, por lo que ahora estaba un poco fuera de línea. Len Davies estaba siguiendo el disparo y creo que Dan debió haberle echado un ojo. El resultado fue que no lo tomó limpiamente y se retorció debajo de él y sobre él. Len saltó sobre él y entró en la red, pero nunca la tocó ".

Poco después, el Arsenal tuvo una gran oportunidad de empatar. Como Charlie Buchan explicó más tarde: "El exterior izquierdo Sid Hoar envió un centro largo y alto. Tom Farquharson, portero de Cardiff, salió corriendo para enfrentar el peligro. El balón cayó justo al lado del punto de penalti y rebotó por encima de sus dedos extendidos. Jimmy Brain y yo corrimos hacia adelante juntos para cabecear el balón en la portería vacía. En el último momento Jimmy me lo dejó. Desafortunadamente, se lo dejé a él. Entre nosotros, perdimos la oportunidad de oro del juego ". El Arsenal no tuvo más oportunidades después de eso y, por lo tanto, el Cardiff City ganó el juego 1-0. Por lo tanto, Curtis se convirtió en el jugador más joven en ganar una medalla de campeón de la Copa FA.

Curtis nunca volvió a jugar para Cardiff City, ya que fue transferido a Birmingham City al comienzo de la temporada 1927-28. Durante los siguientes seis años marcó 44 goles en 165 partidos. También ganó 3 partidos internacionales jugando para Gales. Curtis también jugó para Coventry City (1934-36) y Hartlepool United (1937-38).

Durante la Segunda Guerra Mundial, Curtis sirvió en el ejército británico en el Lejano Oriente. En 1941 fue capturado por el ejército japonés y pasó el resto de la guerra en un campo de prisioneros.

Ernie Curtis, que trabajaba en Cardiff City como entrenador, murió en 1992.


Fue desheredada por su propio padre, la leyenda de Hollywood Tony Curtis.

Ahora Allegra Curtis habla por primera vez sobre la angustia que ella y el resto de su familia están sufriendo.

"Nos sorprendió a todos y fue muy doloroso", dijo Allegra.

INSIDE EDITION reveló a principios de este año que Curtis eliminó a sus cinco hijos, incluida la estrella de cine Jamie Lee Curtis, de su testamento.

Curtis dejó la mayor parte de su patrimonio a su viuda Jill, 42 años menor que él.

Pero Allegra le dijo a nuestro Les Trent que no se lo creía.

"Está escrito allí, pero no creo que fueran sus últimos deseos", dijo Allegra.

"¿Por qué lo escribió, crees?" preguntó Trent.

"Creo que fue influenciado, y todos sabemos por quién fue influenciado. No necesito decir su nombre", dijo Allegra.

Si bien Allegra se mantuvo firme en no dar nombres, los documentos judiciales presentados por su hermana Kelly dijeron que la decisión de Curtis de desheredar a sus hijos "es el resultado de coacción, amenaza, fraude o influencia indebida de Jill Curtis y / u otros".

Allegra dice que ser desheredada por el padre que adoraba fue devastador.

"Sentí que no tenía derecho a existir, y él me amaba mucho, y yo lo amaba. Por eso creo que no vino de él".

Allegra es la hija de Curtis de su matrimonio con la actriz Christine Kaufmann. Tuvo cinco esposas, incluida la estrella de cine Janet Leigh. Jill Curtis estuvo casada con la estrella durante los últimos 12 años de su vida.

Además de la angustia de Allegra, Jill está subastando muchas de las posesiones de Tony Curtis en Los Ángeles. Entre los artículos se encuentra la famosa chaqueta y gorra de Curtis de su película de 1959. A algunos les gusta caliente.

"Tony fue muy específico en sus deseos", dijo Jill.

Jill dice que Tony informó a sus hijos que estaban siendo desheredados.

Jim Moret de INSIDE EDITION habló con Jill en la casa de subastas Julien's y le preguntó sobre la relación de Tony Curtis con sus hijos.

"Tony podría tener una relación difícil con sus hijos, pero eso realmente fue entre ellos y su papá, no tuvo nada que ver conmigo", dijo Jill.

Pero Allegra dice que cinco de los nietos de Tony obtuvieron un total de solo $ 30,000 cada uno, y los dos hijos de Jamie Lee no obtuvieron nada.

Allegra teme que la voluntad de su padre pueda mancillar las opiniones de la gente sobre el gran Tony Curtis como hombre de familia.

"Era un padre cariñoso y divertido. Creo que quería asegurarse de que todos estuviéramos atendidos", dijo Allegra.


Ernie Curtis - Historia

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Última actualización el: jueves 22 de noviembre de 2018


Por qué la Final Four de 1970 es única en la historia del baloncesto universitario

Cincuenta años después, sigue siendo una de las Final Fours más inusuales jamás celebrada. Estaba el All-American que no pudo jugar. El entrenador con el traje de la suerte que podía brillar en la oscuridad: chaqueta blanca cruzada, camisa roja sandía, pantalones azul claro. El jugador de 7 pies que ni siquiera era el tipo más alto de su propia alineación. Y los propios equipos, un cuarteto que hoy sería insondable. Destruirían todos los soportes de la piscina de la oficina.

Estaba St. Bonaventure, la pequeña escuela de menos de 3,000 estudiantes del oeste de Nueva York, dirigida por el futuro incondicional de la NBA Bob Lanier, con sus 29 puntos y 16 rebotes por juego. Excepto que se rompió la rodilla en la segunda mitad del juego del campeonato regional y vio la Final Four desde una cama de hospital.

Estaba el estado de Nuevo México desde los confines de Las Cruces, con la estrella Jimmy Collins, quien tomó un autobús cuatro días desde su casa en Syracuse para llegar por primera vez a la escuela.

Estaba Jacksonville, casi tan pequeño como St. Bonaventure, que solo seis años antes había sido un programa de la NAIA. O como una marquesina de motel en Bowling Green, Kentucky preguntó cuándo los Dolphins estaban listos para enfrentar a Western Kentucky en el torneo de la NCAA. Jacksonville, ¿quién? “Nuestros muchachos se emocionaron un poco con eso”, dijo el entrenador Joe Williams el otro día, desde su casa en Mississippi. Pero una vez que vio a los Dolphins, nunca los olvidó: con su ofensiva de 100 puntos por juego, sus gemelos Artis Gilmore y Pembrook Burrows III, su entrenador Williams con un guardarropa tan ruidoso como la hoja de estadísticas de su equipo. Además, su rutina de práctica al tema de los Harlem Globetrotters de Sweet Georgia Brown.

Sí, Jacksonville lo era. . . diferente. Un grupo suelto y amante de la diversión que tan pronto te enterraría con 105 puntos como si te mirase. Lo pasaron bien, cantaron en la práctica, Burrows el líder del coro. La gente los llamaba The Mod Squad. Los alumnos de la tercera edad se quedaron boquiabiertos de incredulidad. "Después de que nos vieron practicar allí", mencionó Williams sobre la Final Four, "un escritor dijo que si ganábamos, el baloncesto retrasaría 20 años".

No es que ninguno de estos tres equipos fuera un shock para hacer carreras largas en torneos. Jacksonville llegó a la Final Four con un récord de 26-1, St. Bonaventure 25-1, New Mexico State 26-2. Pero mirándolos desde 2020, la colección parece de otro mundo.

Incluso, el poder establecido del cuarteto, UCLA, fue algo sorprendente. Es cierto que acababa de producirse la hazaña sin precedentes de tres campeonatos nacionales consecutivos, y John Wooden estaba en toda su magia de Westwood. Pero Lew Alcindor estaba en la NBA como Kareem Abdul-Jabbar, mientras que Bill Walton todavía estaba en la escuela secundaria. Se suponía que esta banda particular de Bruins era el punto muerto intermedio.

"El panorama general era que estábamos con el equipo sin", dijo el capitán y base del equipo, John Vallely, medio siglo después. “Pasamos todo el camino del 30-0 al 28-2. Siempre comparto con todos cuando hablo sobre esos días, Pauley Pavilion estaba alborotado, porque íbamos cuesta abajo ".

Todos se reunieron en Cole Fieldhouse en la Universidad de Maryland para resolver un torneo de la NCAA que comenzó con solo 25 equipos. El récord mostrará que Jacksonville venció a St. Bonaventure sin Lanier 91-83 en las semifinales. Sin el Lanier 6-11, los Bonnies no tenían ningún jugador de más de 6-5 para ir contra los árboles de Jacksonville, y Gilmore tuvo 29 puntos y 21 rebotes. Probablemente teniendo que cometer una falta para tratar de lidiar con el tamaño, St. Bonaventure fue superado desde la línea 37-15.

UCLA superó al estado de Nuevo México 93-77, con el balance de los Bruins (los cinco titulares anotaron en cifras dobles y se combinaron para 91 puntos) compensando los 28 de Collins. Fue el tercer año consecutivo en que UCLA eliminó a los Aggies del torneo. . "Te vuelves un complejo después de un tiempo", dijo el entrenador del estado de Nuevo México, Lou Henson, esa noche.

En el juego de campeonato, los Bruins vieron a los Dolphins con una ventaja inicial de nueve puntos, pero recuperaron el control de manera constante, más sobre cómo más tarde, y ganaron 80-69. Wooden aceptó su sexto trofeo y el cuarto consecutivo, y su dinastía siguió adelante.

Para los otros tres equipos, fue un momento fugaz en el tiempo. En los 49 meses de marzo desde entonces, el estado de Nuevo México ha ganado tres juegos del Torneo de la NCAA, uno en St. Bonaventure y ninguno en Jacksonville.

Pero hace 50 años, estaban en el escenario principal.

Era la edad de la ofensa. Pete Maravich de LSU estableció un récord en la temporada de 1970 que sigue en pie, con un promedio de 44,5 puntos. Austin Carr de Notre Dame anotó 61 contra Ohio en la primera ronda del torneo de la NCAA. Otro récord aún en los libros. El estado de Nuevo México promedió casi 91 puntos por juego, y los Aggies fueron sólo el décimo en la nación en anotaciones. Jacksonville anotó al menos 103 puntos en un juego 13 veces y fue el primer equipo de la División I en promediar 100 puntos en una temporada regular.

UCLA también formaba parte del apasionante panorama ofensivo, a pesar de que Alcindor se había graduado después de dos derrotas en tres temporadas de campeonato, para gran alivio del resto del deporte. The Walton Gang estaba a dos años de distancia. Pero Wooden tenía armas: Curtis Rowe, Vallely y Sidney Wicks habían sido el segundo, tercer y cuarto máximo anotador la temporada anterior. Henry Bibby era un escolta de segundo año de tiros suaves y Steve Patterson había desarrollado un juego interior, aunque solo fuera practicando contra Alcindor todos los días.

La primera señal real de que las cosas no habían cambiado tanto fue el quinto juego de la temporada, cuando LSU y Maravich visitaron Pauley Pavilion. Maravich consiguió sus puntos, 38 de ellos. Pero los Bruins, especialmente Bibby y Vallely, también lo acosaron con la asombrosa cantidad de 18 pérdidas de balón. Qué forma de conseguir un doble-doble. Estampieron a los Tigres, 133-84.

"Jugamos nuestro juego fundamental, que fue realmente contrario a lo que había hecho LSU", dijo Vallely. “Se trataba de Pistol Pete. Nunca olvidaré que el entrenador Wooden me contó una historia sobre cómo fue a un campamento en el sur y estaba hablando con (el entrenador de LSU y el padre de Pete) Press Maravich, su amigo, y él dijo: desarrollando un monstruo aquí ". Maravich dijo:" Oh, no, estoy desarrollando al primer jugador de un millón de dólares en la NBA ".

“Así que había objetivos muy diferentes. Les puedo decir esto, si tenía dos pérdidas de balón en UCLA, estaba en la banca ".

Más tarde, hubo derrotas de UCLA en Oregon y en casa ante USC, pero los Bruins llegaron al torneo en el puesto número 2. Nos enfocamos en lo que podíamos controlar ”, dijo Vallely. “La idea que teníamos de ganar otro campeonato para satisfacer las opiniones externas, no creo que fuera muy importante para ninguno de nosotros. Lo que nos preocupaba era ser lo mejor que podíamos ser ".

Mientras tanto, a 2400 millas a través del continente, algo extraordinario se estaba gestando en Jacksonville.

Cuando Williams aceptó el trabajo para construir el programa de Jacksonville en 1964, tuvo que enseñar cinco clases, además de entrenar baloncesto. Cortejó al viejo amigo Tom Wasdin para que fuera su asistente. “Le conseguí un salario más alto que el mío porque necesitaba la ayuda. Tuvimos que vender entradas y recaudar dinero. Teníamos un presupuesto de contratación de $ 500 cuando fui allí. Alguien me dejó usar una camioneta y una tarjeta de crédito y me iría a contratar personal. Muchas veces aparecía en la escuela secundaria al mediodía y veía una película y luego esa noche iba al siguiente lugar y llegaba alrededor de las 8 en punto y la madre decía, debes tener hambre, y ellos me alimentarían '”.

Para 1969, los Dolphins tenían marca de 17-7 con un fuerte juego de guardia, especialmente Rex Morgan y sus 26 puntos por partido. Ahora, si tan solo Williams pudiera encontrar algunos hombres grandes.

El premio fue el enormemente talentoso 7-2 Gilmore de Gardner-Webb, entonces un junior college, a quien Williams encontró por accidente. Ernie Fleming se estaba transfiriendo a Jacksonville desde Gardner-Webb y le escribió una carta a Wasdin, mencionando a su amigo llamado Artis, quien resultó tener 7-2. Cuando Gilmore finalmente decidió que vendría, otro de 7 pies ya estaba en la bolsa de Jacksonville.

Pembrook Burrows no comenzó a crecer hasta que fue a la escuela secundaria y no jugó baloncesto hasta su último año. Cuando se graduó, tenía dos ofertas de becas y pensó que no tenía muchas oportunidades en ninguno de los dos lugares, así que se fue a trabajar a un concesionario de automóviles cerca de su casa en Florida. “Car jockey”, llamó a su trabajo. “Saque los autos del estacionamiento y llévelos al lugar donde serían reparados”.

Jugó mucho baloncesto en las canchas del patio de recreo y se conectó con un equipo de AAU, asistiendo a algunos torneos donde coleccionan los cazatalentos universitarios. "Ellos anunciaban los nombres de los muchachos y de qué universidad eran", dijo. "Cuando llegaron a mi nombre, simplemente dijeron 'Pembrook Burrows' y ese fue el final".

Pero alguien notó el 7 pies sin escuela. Un día, su madre lo llamó a casa, porque había un extraño esperando para verlo. "Cuando llegué a casa, había un tipo blanco calvo que parecía un detective", dijo Burrows. “Y cuando me detuve, él estaba sentado en mi porche con mi mamá. Lo miro como si se parece a la policía. No he hecho nada ".

En realidad fue Jim Oler, entrenador del Brevard Junior College, con una oferta para jugar. Burrows se dirigió a Brevard, y cuando estuvo listo para pasar a una universidad regular, tenía una caja con cartas de interés de 250 escuelas.

Durante sus días en Brevard, había jugado contra Gilmore. "Me asombró que fuera tan alto y tan bueno". Dos semanas después de que Burrows eligiera Jacksonville, se enteró de que Gilmore también había hecho su elección. Jacksonville. Decir whaaaat? Burrows habló por teléfono con Williams más rápido de lo que se podría decir, ¿quién comienza?

“Nos preguntó al respecto. Dijimos 'Pembrook, no te preocupes, tú también vas a empezar' ”, dijo Williams.

"Así que ambos terminamos en Jacksonville", dijo Burrows. "Y el resto es historia."

Dijo Gilmore: “No fue más que una buena relación positiva, muy competitiva. Ambos fuimos únicos en nuestra contribución al programa. Solo nos felicitamos ".

Williams lo mezcló todo junto, el juego de perímetro dirigido por Morgan, con los dos nuevos gigantes en la ciudad, y no tardó en darse cuenta de lo que tenía. “Aproximadamente en el segundo o tercer día de práctica, estábamos jugando, y Tom y yo subimos a la cuarta o quinta fila para mirar”, dijo. "Nos miramos el uno al otro, ¿puedes creer esto?"

Mucha gente no pudo. A medida que Jacksonville comenzó a acumular victorias, los Dolphins se convirtieron en una sensación.

“Tenían algo en París sobre que éramos el equipo más alto. Todo había terminado, no solo en Estados Unidos ”, dijo Williams. “Había una foto de Rex Morgan de pie en una silla midiendo a Artis y Pembrook. Recibimos mucha atención ".

Especialmente en Jacksonville, una ciudad atribulada que siente el dolor de la turbulenta década de 1960.

“Estaba lleno de tensión racial y la gente ha dicho que fue por el equipo, que unió a la ciudad”, dijo Burrows. “Creo que el equipo dio ejemplo porque estaba mezclado racialmente con blancos y negros, y estamos ganando y ahora todo el mundo apuesta no solo por el equipo de la Universidad de Jacksonville, sino también por la ciudad de Jacksonville. Creo que la tendencia era, oye, estos muchachos pueden llevarse bien, están ganando partidos, están poniendo a Jacksonville en el mapa ".

El resto del mundo del baloncesto no estaba muy seguro de qué pensar de los Dolphins. Tenían pocas reglas y mucha diversión. Además, rodaron arriba y abajo de la cancha con una implacable intención de anotar. Pero también había un propósito en su juego y en cómo Williams los entrenó.

“Nuestras reglas eran que cuando pisabas la pista, tenías que jugar al cien por cien. Y tenías que ir a clase todos los días. Y esas eran realmente las únicas reglas que teníamos. Lo disfrutamos, jugamos duro. Tuve que acortar la práctica a veces, jugaban tan duro. Los jugadores me dijeron: "Todos hicimos un voto de que íbamos a jugar más duro de lo que nadie había jugado nunca debido a la forma en que nos trataste". Así que les dejé hacer las cosas que querían hacer porque eran tan buenos niños. Y todos se graduaron ".

Para marzo, tenían marca de 17-1, la única derrota 89-83 en Florida State, que luego se compensó con una victoria 85-81 sobre los Seminoles en casa. Se habían convertido en una historia, pero ¿cuánto tiempo duraría la novedad en el caldero del torneo? ¿La Final Four? Jacksonville? ¿Estás bromeando?

"Creo que la única persona que tuvo esa visión fue probablemente Rex Morgan", dijo Burrows. “Era un competidor duro. La actitud de todo el mundo era que teníamos un buen equipo y nos divertíamos ganando a todo el mundo. Nunca tuvimos la idea de llegar a la final, no hasta que sucedió ".

La NCAA asignó a los Dolphins una ruta brutal. Primero, el No. 12 en el ranking Western Kentucky. Jacksonville ganó 109-96. A continuación, el No. 7 de Iowa. Ese fue casi el final del camino, con Gilmore fuera de combate, pero una pista de Burrows en el último segundo salvó a los Dolphins, 104-103. Luego, con un viaje a la Final Four mágicamente sobre la mesa, se enfrentaron al No. 1 Kentucky en el campeonato regional. El mayor desajuste en pedigrí.

"Ciertamente, reconocimos el hecho de que era la Universidad de Kentucky con su historia", dijo Gilmore. “Y Jacksonville no era nadie. Probablemente estábamos un poco más motivados ".

Morgan tuvo 28 puntos, Gilmore 24 puntos y 20 rebotes. La estrella de Kentucky Dan Issel cometió una falta cuando aún quedaban 10 minutos, y ya había anotado 28. El escolta de Jacksonville, Vaughn Wedeking, un campeón de pista de la escuela secundaria estatal en la carrera de 440 yardas en Indiana, atrajo a Issel a una carga. Jacksonville ganó 106-100.

"Nos despertamos (al día siguiente)", dijo Gilmore, "y nos dimos cuenta de que estábamos disfrutando de un cuento de hadas".

Aún así, siempre hubo recordatorios de que los Dolphins vinieron de un lugar diferente al de los Kentuckys del mundo. “Después de vencer a Kentucky”, dijo Williams, “fue una noche fría y nevada y algunas personas del torneo nos llevaron a comer, y tuvimos que recolectar dinero para pagar la comida. Era un restaurante demasiado agradable para nosotros ". Según una historia, lo tomaron prestado del hombre de la radio jugada por jugada.

Nunca sabremos si la carrera de ensueño de Jacksonville se habría interrumpido en la Final Four, si Lanier no hubiera resultado herido. San Buenaventura había estado en una buena racha.

“A medida que avanzaba la temporada y íbamos mejorando cada vez más, pensé que podíamos ganar el campeonato. En mis huesos simplemente lo sentí ”, dijo Larry Weise, entonces entrenador de Bonnies. “Creo que hubiéramos manejado a Jacksonville porque coincidimos bien. Lanier dominó la cancha delantera. Quiero decir, dominaba la cancha delantera. Nadie podía detenerlo, ni uno a uno. Y luego, cuando se doblaron, tenía tal coeficiente intelectual de baloncesto que golpeó al hombre abierto. Esa fue la ventaja que pensé que teníamos. Esa fue la ventaja que pensé que teníamos en UCLA ".

Iban camino de golear a Villanova en el campeonato regional 97-74 con 26 puntos de Lanier, cuando cayó en un montón. Ligamento de rodilla desgarrado. Toda esa alegría, todo ese sentido del destino. desaparecido.

"En el vestuario, se podía escuchar la caída de un alfiler y ganamos", dijo Weise. “Fue una terrible decepción emocional. Fui a la Final Four con un corazón sombrío ".

St. Bonaventure dio pelea, pero no pudo igualar a los Dolphins más altos. Sus esperanzas por el campeonato terminaron en medio de intensas emociones encontradas. El mejor de los tiempos y el peor de los tiempos. "No se puede tomar uno sin el otro", dijo Weise. “Es una sensación terrible. Por otro lado, es una emoción de todo el año. Tuvimos una oportunidad ".

Eso dejó a UCLA vs. Jacksonville, aura vs. advenedizo.

“Creo que lo más importante que recuerdo es que me preguntaron si estaba realmente nervioso por tener que enfrentar la tradición de UCLA”, dijo Williams. "Dije que no, que estábamos preocupados por tener que entrenar a John Wooden".

¿Podrían los Dolphins unirse a otro perdedor inmortal que lo logró? Las historias de 1970 mencionan cómo a Jacksonville se le asignó el mismo hotel que Texas Western había usado en la Final Four de 1966, cuando los Miners vencieron a Kentucky y sacudieron el mundo del baloncesto universitario. Pero los Dolphins no deben haberse dado cuenta. Williams dice que ahora no tiene ningún recuerdo especial de dónde se quedó Jacksonville.

Los Dolphins lograron una ventaja de 24-15 contra UCLA, y Gilmore hizo un daño real. Eso fue hasta.

"Al principio, teníamos a Sidney en su lugar, y estaba obteniendo algunos puntajes", dijo Vallely. “Sidney quería jugar detrás de él. De hecho, fue a Coach Wooden durante el juego, estábamos atrasados, y preguntó si podía ir detrás de Artis. Resulta que Sidney tenía razón ".

Wicks tuvo marca de 6-8, cediendo quince centímetros a Gilmore, pero confiaba en que podría subir y bloquear sus tiros. Lo que hizo cuatro veces. ¿Pero eran legales?

Burrows: “Cuando Artis sube y mide dos metros, tiene que disparar hacia la portería, pero decían que no se trataba de gol. Odio juzgar a los oficiales. La llamada es lo que es la llamada ".

Gilmore: "Reflexionando sobre eso hace muchos años y el hecho de que perdimos, siempre puedes encontrar algunas razones por las que tal vez esto sucedió, tal vez eso no debería haber sucedido, tal vez fue por la meta, tal vez no".

Vallely: “Probablemente estaba tirando el balón, así que podría haber algo de verdad en ello. ¿Pero sabes que? No arbitramos el juego, solo lo jugamos ".

Para el medio tiempo, UCLA tenía una ventaja de 41-36 y continuó desde allí. Gilmore terminó con 9 de 29 tiros y fue superado en rebotes por Wicks 18-16. Una ventaja de 24-7 en tiros libres tampoco perjudicó la causa de los Bruins.

Ponga otra foto del equipo del campeonato de UCLA en la pared. Y este sin una superestrella imponente en el medio.

"Personalmente, sentí que fue un gran logro, porque no creo que nadie esperara que pudiéramos prevalecer esa temporada, ya que ya no teníamos a Kareem", dijo Vallely. “No hay duda de que nos sentimos muy bien con eso. Creo, al menos, que pudimos seguir adelante y que pudimos continuar con el legado. No se dice mucho al respecto porque Kareem y Bill se convirtieron en grandes estrellas de la NBA. Pero todos contribuimos de manera importante en UCLA, así que fue divertido ser parte de ese puente. Aquellos de nosotros que jugamos entendemos totalmente lo que pasó ".

Williams no mencionó a los oficiales en ese entonces, y no lo hace ahora. O cómo golpearon a un par de sus guardias, incluido Morgan. “No pusimos excusas y no vamos a hacerlo. Siempre." Dijo que esa noche UCLA era el mejor equipo. Fin de la historia. Más tarde, llegó una carta de John Wooden agradeciendo a Williams. Se hicieron amigos.

Otra cosa. ¿Ese colorido atuendo de la suerte que usó Williams durante el torneo? Sus jugadores le habían dado un certificado de regalo por su cumpleaños y eligió esos colores porque pensó que les gustaría el estilo. Alguien más también se fijó en su guardarropa. Sra. Nell Wooden. “(John Wooden) dijo que lo peor que le pasó fue que su esposa se enojó porque la forma en que me vestí lo hice parecer un enterrador. Ella comenzó a comprarle camisas llamativas, y lo malo fue que tenía que usarlas ".

Ese Final Four viene con muchas posdatas.

Lanier pasó a una carrera en el Salón de la Fama de la NBA. Ahora lucha contra el cáncer de vejiga y no le gusta hablar mucho sobre 1970, la maldad del destino es dolorosa incluso todavía. Weise todavía tiene angustia también. “Siempre dices, ¿y si? De hecho, cada vez que se celebra el torneo de la NCAA, digo ¿y si? Creo que mis jugadores también lo hacen ".

Henson, de New Mexico State, volvería algún día a la Final Four, con Illinois. En cuanto a los Aggies, han pasado el primer fin de semana del Torneo de la NCAA, pero una vez desde 1970, aunque llevaron a Auburn al límite en la primera ronda en marzo pasado.

Vallely perdió a una hija de 12 años a causa del cáncer y necesitaba un trasplante de células madre para sobrevivir él mismo a la enfermedad. Ahora vive con su esposa Karen, novios desde los días de UCLA, en Balboa Island, en una casa que incluye una foto de él con la red de 1970 sobre su cabeza. Además de una pelota de baloncesto con estas palabras escritas: “Gracias por todo lo que hicieron que me ayudó. John Wooden ".

Gilmore tuvo una carrera en el Salón de la Fama de la NBA y todavía trabaja en televisión para la Universidad de Jacksonville. "Cincuenta años después, estoy sentado al margen después de 18 años como profesional y ahora con nietos, estoy disfrutando el hecho de que fue parte de la experiencia de 50 años", dijo sobre 1970.

Burrows se dedicó a hacer cumplir la ley en Florida y se convirtió en el patrullero estatal más alto del país. Ya no es un ferviente seguidor del baloncesto universitario, pero "cada vez que transmiten ese partido (de UCLA) por televisión, recibo una llamada".

UCLA fue el campeón que lo merecía, pero Jacksonville fue la historia más convincente de 1970. El hombre que ayudó a crearlo se fue a Furman la próxima temporada y luego a Florida State, pero finalmente se retiró del entrenamiento a una edad relativamente temprana, dirigía una estación de PBS en Florida. y entrenó a las Pequeñas Ligas. Joe Williams cumplió 86 años este mes y esa bata blanca de 1970 desapareció hace mucho tiempo. Tiene “dos laboratorios y un bulldog y un par de estanques de pesca. Sigo algo de baloncesto, pero no soy tan ávido como solía ser. Estoy ávido de disfrutar la vida ".

Los recuerdos de 1970 todavía están allí para que los atesore, incluso en días oscuros como la llamada en 2016. En el otro extremo de la línea estaba un Rex Morgan muy enfermo, su primera estrella en Jacksonville, la bujía de ese cuento de hadas. equipo.

“Hablamos por teléfono y me dijo que estaba a punto de morir y que no podían hacer nada más. Dijo "Te amo, Joe". Le dije 'Yo también te amo Rex' ".

Pronto, Morgan se fue. También lo son Wedeking, Fleming y Chip Dublin y Danny Hawkins de los Dolphins. También Patterson y Wooden de UCLA. Medio siglo ha pasado factura.

La mística de UCLA que demostró que no necesitaba un centro legendario para continuar. la mala suerte de San Buenaventura. la frustración del estado de Nuevo México. la fascinante ascensión de Jacksonville Who. Hace cincuenta años, todos compartieron una Final Four única. Solo uno de ellos ha regresado.

Mike Lopresti es miembro del Salón de la Fama de los Escritores de Baloncesto de EE. UU., Del Salón de la Fama del Periodismo de Ball State y del Salón de la Fama de los Periodistas y Escritores Deportivos de Indiana. Ha cubierto el baloncesto universitario durante 43 años, incluidos 39 Final Fours. Es tan viejo que cubrió a Bob Knight cuando tenía el pelo oscuro y los pantalones cortos de baloncesto eran en realidad cortos.
Las opiniones en esta página no reflejan necesariamente las opiniones de la NCAA o sus instituciones miembros.


Historial de miembros

La Fundación Ernie Els & amp Fancourt se fundó en 1999 y entre sus antiguos miembros se encuentran muchos profesionales exitosos del Tour, incluido el Campeón del Open Louis Oosthuizen y el ganador de varios European Tour Branden Grace. (en la foto de arriba como compañeros de equipo en la Copa Presidentes 2015).

Esta es la lista completa de todos los miembros de The Ernie Els & amp Fancourt Foundation (chicas / mujeres indicadas en negrita). El número entre paréntesis indica el número de miembros a los que se les ha ofrecido membresía desde 1999. En otras palabras, Louis Oosthuizen (9) fue la novena membresía ofrecida. Desde 1999 se ha ofrecido membresía a un total de 140 golfistas.

1999
Jack Kutumane (1)
Mark Mahoney (2)
Vincent Schutte (3 años)
Walters Els (4)

2000
Vincent Schutte
Conrad Wehmeyer (5)
James Kamte (6)
Joseph Mohulatsi (7 años)
Kelso Hannay (8)
Louis Oosthuizen (9)
Mark Mahoney (10)
Teboho Sefatsa (11)
Walter Els
Jack Kutumane
Puente Cas (12)
Furgoneta Tanica As (13)

2001
Vincent Schutte
James Kamte
Albert Kruger (14 años)
Mark Mahoney
Conrad Wehmeyer
Kelso Hannay
Walter Els
Byron van der Merwe (15 años)
Sika Letoaba (16)
Geoffrey van der Merwe (17 años)
Wesley Tucker (18 años)
Teboho Sefatsa
Joseph Mohulatsi (19 años)
Louis Oosthuizen
Nicola Eaton (20 años)
Puente Cas
Tanica van As
Melisa Eaton (21 años)

2002
Eugene Marugi (22 años)
Sika Letoaba
Mark Mahoney
Henry Mthembu (23 años)
Joseph Mohulatsi
Teboho Sefatsa
Albert Kruger
Wesley Tucker
Matthew Kent (24 años)
Geoffrey van der Merwe
Walter Els
Louis Oosthuizen
James Kamte
Byron van der Merwe
Tanica van As
Nicola Eaton
Caitlin Beckwith (25 años)
Melisa Eaton

2003
James Kamte
Toto Timba (26)
Adrian Ford (27 años)
Mark Mahoney
Geoffrey van der Merwe
Teboho Sefatsa
Byron van der Merwe
Henry Mthembu
Keenan Paulsen (28 años)
Matthew Kent
Walter Els
Albert Kruger
Michael Mgodeli (29 años)
Eugene Marugi
Caitlin Beckwith
Nicola Eaton
Melisa Eaton
Betty Mokoena (30 años)
Tanica van As

2004
Andre Haasbroek (31 años)
Keenan Paulsen
Llaves de Dewald (32)
Prinavin Nelson (33 años)
Trevor Mahoney (34 años)
Adrian Ford
Walter Els
Mark Mahoney
Geoffrey van der Merwe
Byron van der Merwe
Michael Mgodeli
Leslie Edgar (35 años)
Calvin Coelho (36)
Matthew Kent
Toto Timba
Tanica van As
Betty Mokoena
Siviwe Duma (37)
Caitlin Beckwith

2005
Adrian Ford
Andre Haasbroek
Calvin Coelho
Cameron Esaú (38)
Keenan Davidse (39 años)
Keenan Paulsen
Leslie Edgar
Makgetha Mazibuko (40 años)
Matthew Kent
Michael Mgodeli
Prinavan Nelson
Toto Timba
Trevor Mahoney
Tumelo Wesi (41 años)
Tumo Motaung (42)
Werner van Niekerk (43 años)
Betty Mokoena
Caitlin Beckwith
Kelli Shean (44 años)
Siviwe Duma
Yolanda Duma (45)

2006
Adrian Ford
Andre Haasbroek
Gracia de Branden (46)
Calvin Coelho
Cameron Esaú
Derick Petersen (47 años)
Heinrich Bruiners (48 años)
Jared Harvey (49 años)
Keenan Davidse
Keenan Paulsen
Leslie Edgar
Makgetha Mazibuko
Michael Mgodeli
Prinavin Nelson
Shaun Smith (50)
Siphiwe Siphayi (51)
Trevor Mahoney
Tumelo Wesi
Tumo Motaung
Wehmeyer Ferreira (52 años)
Werner van Niekerk
Betty Mokoena
Caitlin Beckwith
Gabby de Reuck (53 años)
Kelli Shean
Merition Sandys (54)
Monique Smit (55 años)
Rushda Mallick (56)
Siviwe Duma
Yolanda Duma

2007
Adrian Ford
Andre Haasbroek
Calvin Coelho
Cameron Esaú
Derick Petersen
Jared Harvey
Keenan Davidse
Keenan Paulsen
Leslie Edgar
Makgetha Mazibuko
Michael Mgodeli
Prinavin Nelson
Shaun Smith
Trevor Mahoney
Tumelo Wesi
Tumo Motaung
Wehmeyer Ferreira
Werner van Niekerk
Caitlin Beckwith
Gabby de Reuck
Kelli Shean
Merition Sandys
Rushda Mallick
Siviwe Duma
Yolanda Duma

2008
Adrian Ford
Andre Haasbroek
Calvin Coelho
Cameron Esaú
Drikus Bruyns (57)
Fezekile Kana (58)
Helgardt Muller (59 años)
Jason Koeries (60 años)
Keenan Davidse
Leorin Pillay (61)
Makgetha Mazibuko
Michael Mgodeli
Shaun Smith
Trevor Mahoney
Tumelo Wesi
Tumo Motaung
Wehmeyer Ferreira
Werner van Niekerk
Jenna Schonfeldt (62 años)
Katlego Mhlambi (63 años)
Marcia van Wyk (64 años)
Merition Sandys
Siviwe Duma
Yolanda Duma
Rushda Mallick

2009
Drikus Bruyns
Leorin Pillay
Helgardt Muller
Jason Koeries
Fezekile Kana
Shaun Smith
Makgetha Mazibuko
Werner van Niekerk
Conway Kunneke (65 años)
Curtis Schacht (66 años)
Devon Thomas (67 años)
Tumelo Wesi
Tumo Motaung
Andre Haasbroek
Michael Mgodeli
Trevor Mahoney
Merition Sandys
Izel Pieters (68)
Kim Daniels (69)
Kelly Erasmus (70 años)
Katlego Mhlambi
Jenna Schonfeldt

2010
Andrew Burmeister (71 años)
Bongani Khoza (72)
Chesley Gamba (73)
Conway Kunneke
Devon Thomas
Drikus Bruyns
Godfrey Mphaka (74 años)
Helgardt Muller
Ian Snyman (75 años)
Leorin Pillay
Lusanda Dikileyo (76)
Lwazi Gqira (77 años)
Marco das Neves (78)
Mojalefa Xaba (79)
Hamburguesa Nicolaih (80)
Nkosinathi Dauwa (81 años)
Nqaba Mata (82)
Phumlani Mkhoma (83 años)
Riaan Beukes (84)
Riyaaz Daniels (85)
Sello Lebeko (86)
Shane Ross (87)
Shaun Smith
Trevor Thomas (88 años)
Tumelo Molloyi (89)
Izel Pieters
Katlego Mhlambi
Kelly Erasmus
Kim Daniels
Merition Sandys
Sylvia Masango (90)
Zetu Myeki (91 años)
Zayb Kippie (92 años)

2011
Andrew Burmester
Chesley Gamba
Christiaan Bezuidenhout (93 años)
Conway Kunneke
Devon Thomas
Drikus Bruyns
Dylan Raubenheimer (94 años)
Evance Vukeya (95 años)
Ian Snyman
Leorin Pillay
Lusanda Dikileyo
Marco das Neves
Matthew Kiewitz (96 años)
Mojalefa Xaba
Hamburguesa Nicolaih
Nkosinathi Dauwa
Phumlani Mkhoma
Riaan Beukes
Riyaaz Daniels
Sello Lebeko
Shane Ross
Shaun Smith
Thriston Lawrence (97 años)
Trevor Thomas
Tumelo Molloyi
Izel Pieters
Kelly Erasmus
Kim Daniels
Kirsten Campbell (98 años)
Sylvia Masango
Zayb Kippie
Zetu Myeki

2012
Aneurin Gounden (99)
Chesley Gamba
Christiaan Bezuidenhout
Conway Kunneke
Devon Thomas
Dylan Jacobs (100 años)
Dylan Raubenheimer
Evance Vukeya
Ian Snyman
Karabo Makoena (101)
Keelan África (102)
Marco das Neves
Matthew Kiewitz
Mojalefa Xaba
Nkosinathi Dauwa
Riaan Beukes
Riyaaz Daniels
Shane Ross
Siyanda Mwandla (103)
Thriston Lawrence
Trevor Thomas
Tumelo Molloyi
Zander Gous (104)
Shaun Smith (GS)
Drikus Bruyns (GS)
Conway Kunneke (GS)
Leorin Pillay (GS)
Kelly Erasmus
Kim Daniels
Kirsten Campbell
Sylvia Masango
Izel Pieters
Bianca Theron (105)

2013
Aneurin Gounden
Chandler Shaw
Chesley Gamba
David Meyers (106)
Dylan Jacobs
Dylan Raubenheimer
Ian Snyman
Jovan Rebula (107)
Karabo Mokoena
Keelan África
Keelan van Wyk (108)
Matthew Kiewitz
Nkosinathi Dauwa
Nyameko Heshu (109)
Riaan Beukes
Trevor Thomas
Zander Gous
Leorin Pillay (GS)
Conway Kunneke (GS)
Siyanda Mwandla (GS)
Christiaan Bezuidenhout (GS)
Bianca Theron
Kelly Erasmus
Kim Daniels
Kirsten Campbell
Sylvia Masango (GS)
Izel Pieters (GS)

2014
Chandler Shaw (110)
Nyameko Heshu
Chesley Gamba
Clint Jansen (111)
Lonene Khoza (112)
Luyanda Mdanda (113)
Jovan Rebula
David Meyers
Anuerin Gounden
Keelan África
Karabo Mokoena
Dylan Jacobs
Keelan van Wyk
Luca Filippi (114)
Clifford Thomspon (115)
Siyanda Mwandla (GS)
Christiaan Bezuidenhout (GS)
Nkosinathi Dauwa (GS)
Neswill Croy (GS) (116)
Ian Snyman (GS)
Kaleigh Telfer (117)
Bianca Theron

2015
Nyameko Heshu
Lonene Khoza
Luyanda Mdanda
Jovan Rebula
David Meyers
Aneurin Gounden
Karabo Mokoena
Dylan Jacobs
Keelan van Wyk
Luca Filippi
Clifford Thompson
Siyanda Mwandla (A)
Nkosinathi Dauwa (A)
Neswill Croy (A)
Ian Snyman (A)
Fezekile Kana (A)
Lwazi Gqira (A)
Keelan África (A)
Kaleigh Telfer
Bianca Theron (A)
Zetu Myeki (A)

2016
Nyameko Heshu
Luyanda Mdanda
Jovan Rebula
David Meyers
Aneurin Gounden
Karabo Mokoena
Keelan van Wyk
Luca Filippi
Clifford Thompson
Siyanda Mwandla (A)
Nkosinathi Dauwa (A)
Neswill Croy (A)
Fezekile Kana (A)
Lwazi Gqira (A)
Keelan África (A)
Kaleigh Telfer
Zetu Myeki (A)
Cameron Morlee

2017
Luca Filippi
Keelan van Wyk
Clifford Thompson
Siyanda Mwandla
Lwazi Gqira
Nyameko Heshu
Aneurin Gounden
Karabo Mokoena
Keelan África
Franklyn Manchest (120)
Steven le Roux (121)
Tumelo Molloyi
Therion Nel (122)
Zethu Myeki
Kaleigh Telfer
Larissa du Preez (123)
Zanele Mazibuko (124)

2018
Deon Germishuys (125)
Kifentse Nukeri (126)
Keegan McLachlan (127)
Thabiso Magwaza (128)
Luca Filippi
Keelan van Wyk
Siyanda Mwandla
Lwazi Gqira
Aneurin Gounden
Karabo Mokoena
Steven le Roux
Tumelo Molloyi
Therion Nel
Zethu Myeki
Larissa du Preez
Zanele Mazibuko

2019
Luca Filippi
Deon Germishuys
Siyanda Mwandla
Thabiso Magwaza
Karabo Mokoena
Aneurin Gounden
Steven le Roux
Kifentse Nukeri
Therion Nel
Letsoso Letsai (129)
Boipelo Raphiri (130)
Fanelesibonge Hlophe (131)
Kyle de Beer (132)
Zethu Myeki
Larissa du Preez
Mistry Kajal (133)
Demi Flanagan (134)
Shanice de Gee (135)

2020
Luca Filippi
Siyanda Mwandla
Thabiso Magwaza
Aneurin Gounden
Kifentse Nukeri
Therion Nel
Letsoso Letsai
Boipelo Raphiri
Fanelesibonge Hlophe
Kyle de Beer
Cole Stevens (136)
Larissa du Preez
Demi Flanagan
Kaijuree Moodley (137)
Thamara Sandys (138)
Beukes de cristal (139)
Cara Ford (140)


Rock, raza e historia: una conversación con Vernon Reid

Han pasado 33 años desde que Living Colour sorprendió al mundo del rock con su álbum debut, Vívido. Marcó el debut en la corriente principal de un nuevo y audaz estilista de guitarras, Vernon Reid. La interpretación aventurera de Reid incorporó la libertad rítmica y armónica nacida de sus raíces de jazz avant. Living Colour fue un éxito tanto artístico como comercial, y encabezó las listas de éxitos con su sencillo "Cult of Personality".

Pero el mensaje de Reid no fue exclusivamente sónico. Antes de que se rompiera Living Color, había sido miembro fundador de Black Rock Coalition, un colectivo de creadores de música afroamericanos que se rebela contra las restricciones artísticas que la industria musical históricamente impuso a los artistas negros. Décadas después de la Ley de Derechos Civiles, las compañías de radio y disco todavía segregaban a los artistas por raza, a menudo mediante el uso de etiquetas estilísticas. Los músicos de rock afroamericanos se clasificaron generalmente como "artistas de R & ampB", lo que limitaba su exposición más allá de la comunidad negra. Mientras tanto, el rock se comercializó ampliamente como un género blanco, a pesar de que comparte los mismos orígenes afroamericanos que el R&A.

En 1988 entrevisté a Vernon para la portada de una revista de guitarra poco después Vívido abandonó. Además de diseccionar su estilo único, Vernon profundizó en la historia racialmente tensa del rock, destacando el trabajo de los primeros guitarristas de rock negro que nunca ganaron la atención generalizada que merecían. Cuando Line 6 propuso una entrevista a Vernon Reid para que coincidiera con el Mes de la Historia Afroamericana, aproveché la oportunidad de volver a visitar algunos de los temas que discutimos hace décadas.

Nunca es fácil hablar de música y raza.

Hablar de raza es difícil, porque la raza impregna todos los aspectos de la vida estadounidense. Está incrustado en nuestra historia, pero la raza también puede congelar la conversación. Es difícil discutir sin que se convierta en culpa y vergüenza. La gente quiere evitar esa conversación porque es incómoda. Pero es fundamental que nos comprometamos con él.

Lo principal que tenemos que entender sobre la música afroamericana es que todo evolucionó bajo presión. Desde los gritos de campo en adelante, todo fue creado bajo coacción y bajo la mirada blanca. Todo ello sujeto a apropiación y adaptación. Tan pronto como se creó el jazz, se apropió y se bifurcó en blanco y negro. La segregación formó un nudo en el medio. La música era indudablemente afroamericana, pero los afroamericanos tenían poco control de los medios de producción. Esa disonancia cognitiva recorre toda la historia de la música estadounidense.

Ernie Isley solos en & # 8220Summer Breeze & # 8221 en 1973.

A menudo se rinde homenaje a los guitarristas que no lograron ser reconocidos como grandes del rock debido a la segregación de la industria. Ernie Isley, por ejemplo.

Podría pasar toda esta conversación hablando de Ernie Isley. Es una de las principales voces de guitarra que se ha quedado fuera de la conversación. Especialmente en la década de 1970, cuando los Isley Brothers estaban haciendo éxitos con guitarras de rock and roll, como "Summer Breeze", "Who’s That Lady" y "Fight the Power". No solo era importante por su estilo, también tenía éxito comercial. Sin embargo, estuvo completamente ausente de los medios de guitarra y rock. Nunca apareció en la portada de una revista de guitarras. Los Isley Brothers fueron pioneros del rock and roll cuya exitosa carrera se extendió desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de 2000. ¿Cómo no se puede reconocer eso?

Además, Jimi Hendrix estuvo brevemente en la banda de Isley Brothers.

Ernie, el hermano menor de Isley, era un niño en ese momento. La historia cuenta que Jimi le despeinó la cabeza y le mostró algunas cosas con la guitarra. Jimi tuvo una influencia tan profunda en este joven y prometedor músico. Pero aunque Ernie está muy influenciado por Hendrix, suena como él mismo. Tiene su propia redacción. Eso es cierto para todos mis guitarristas favoritos posteriores a Hendrix. Robin Trower, por ejemplo, tiene mucho que ver con el lado temperamental de Hendrix, esa influencia del blues oscuro y saturado. Su estilo es muy diferente al de otros guitarristas post-Hendrix como Frank Marino y Stevie Ray Vaughan. Están influenciados por Hendrix, pero todos tienen estilos completamente distintos. Ernie enfatiza las influencias R & ampB de Hendrix y su conexión con la ejecución rítmica de Curtis Mayfield. La mayoría de la gente piensa en Hendrix como un guitarrista de rock y blues, pero también era un músico de R & ampB.

Los hermanos Isley con Jimi Hendrix (1964).

A veces, esa etiqueta R & ampB se usa para excluir la música del ámbito del rock.

¡Mira Funkadelic! Eran una banda de rock. Americano come a sus jóvenes era un disco de rock. Sí, tiene elementos de funk y R & ampB. Pero "Maggot Brain" es una obra maestra de rock and roll. Entonces, ¿quién puede definir los parámetros de género? ¿Quién decide qué es el rock y qué no?

¿Qué hay del guitarrista de Funkadelic, Eddie Hazel?

Eddie Hazel nunca recibió lo que le correspondía porque Funkadelic nunca recibió lo que le correspondía. Hablando con George Clinton, aprendí que George era un cantante de R&B que fue a San Francisco y experimentó el movimiento hippie. Escuchó a Pink Floyd desde el principio y quería crear un Pink Floyd para los negros. Sintetizó todo lo que estaba pasando: la guerra, los derechos civiles, el poder negro. También pimpin ’, y el juego, y el contraste entre la iglesia y la calle. Y la lámina de guitarra para todo eso es Eddie Hazel. Siempre suena como él mismo. En "Maggot Brain", es un cantante de gospel. Es un suplicante en el velatorio. “Super Stupid” es un hard rock fenomenal. Pero Funkadelic nunca fue realmente aceptado como una banda de rock. Creo que por eso tuvieron que convertirse en Parliament-Funkadelic, con una expresión más funk / R & ampB.

Eddie Hazel tocando en vivo con Funkadelic en 1979.

En ese momento, el rock y el R&B casi se convirtieron en campos enemigos, gracias al movimiento “disco apesta”.

Disco era un estilo difamado. "Disco apesta" expresó una sensación de amenaza sobre el dominio de la música dance en las ondas de radio. Disco era tan omnipresente que había una cierta sobresaturación. Aún así, la reacción fue muy injusta. Disco no ha recibido la evaluación crítica que se merece. Eso se aplica a grandes jugadores como Jerome Smith, que tocó con KC y Sunshine Band. Su "Get Down Tonight" tiene esta fenomenal intro de guitarra de tono súper agudo, anterior a Whammy Pedal. Usaron la técnica de cinta de media velocidad que usaba Les Paul.

Y, por supuesto, estaba Nile Rodgers de Chic.

Nile Rodgers trasciende. Entra en el punto de apoyo. Sus producciones con Bernard Edwards fueron muy influyentes. "Another One Bites the Dust" de Queen no podría haber existido sin la influencia de Chic. Nile Rodgers se convirtió en productor de las estrellas: Human League, Diana Ross, David Bowie, Stevie Ray Vaughan. Ya sabes, siempre digo que el primer disco de hip hop es "Here Comes the Judge" de Pigmeat Markham porque tenía un ritmo de fondo con letras pronunciadas en cadencia. Pero también puedes decir que el hip hop comienza con "Good Times" de Chic. La elegancia fue tan crucial.

Actuación elegante & # 8220Good Times & # 8221 en televisión en 1978.

Esa segregación volvió a surgir cuando MTV debutó a principios de los 80. Inicialmente, no tocarían música de artistas negros. "No es rock", decían. "Es R & ampB".

Sí, y en ese momento incluso tenían un VJ afroamericano, J.J. Jackson. Había una persona negra presentando videos, pero el contenido era casi 100% blanco. Esa es la naturaleza curiosa de la dinámica racial. MTV marcó una casilla con presencia afroamericana, pero el contenido estaba en oposición a esa idea. Mira, la belleza del género rock es lo elástico que puede llegar a ser. Es Pink Floyd y Van Morrison. Es si y los Sex Pistols. Mi problema es, ¿por qué no incluía War, o Earth, Wind & amp Fire, o Parliament-Funkadelic?

Creo que sucede algo similar cuando nos dicen que el rock and roll comenzó en la década de 1950. Que separa la roca de sus raíces. Por ejemplo, decimos que tanto Chuck Berry como Kiss son rock and roll. Pero los éxitos de Louis Jordan de la década de 1940 están mucho más cerca del sonido de Chuck Berry que Chuck Berry de Kiss. Lo mismo sucedió con Rosetta Tharpe, que tocaba con un estilo muy parecido al de Chuck Berry a finales de la década de 1930.

Es tan impactante cómo Rosetta Tharpe fue descuidada durante tanto tiempo. Ella era una guitarrista rudo. quiero decir impresionante! Ella merece el crédito que Chuck Berry recibe como influencia. Fue una estrella importante en su tiempo, pero luego ni siquiera fue parte de la conversación durante muchos años. Solo en la última década se ha vuelto a reconocer su importancia.

Louis Jordan realiza & # 8220Caldonia & # 8221 alrededor de 1945.

¿Por qué Jimi Hendrix fue una excepción? ¿Cómo llegó a la cima del panteón de rocas?

Dudo que hubiera sucedido si Jimi se hubiera quedado en los Estados Unidos y no hubiera ido a Inglaterra. Pudo haber rechazado la oferta de Chas Chandler de llevarlo al Reino Unido.Tuvo que dar un paseo por el espacio, un acto de fe. Tuvo que emprender el viaje de ese supuesto héroe. Tuvo que ir a lo desconocido para cumplir con la búsqueda de hacer la música que existía solo en su mente. Otra cosa increíble sobre Hendrix es lo en contacto que estaba con el lugar donde estaba Estados Unidos en ese momento, en el pico de la guerra de Vietnam. Puedes entender por qué Hendrix tuvo que hacer sus dos mejores actuaciones de guitarra eléctrica, "Machine Gun" con Band of Gypsys y "Star Spangled Banner" en Woodstock. Con su guitarra y el volumen que usaba, llevó a los oyentes a los arrozales de Vietnam. Obligó a la gente a caminar con él. Estaba canalizando todo el miedo y la ansiedad de la guerra, todas las vidas jóvenes que fueron borradas.

Rosetta Tharpe toca & # 8220 Up Above My Head (escucho música en el aire) & # 8221 en Gospel Time TV a mediados de la década de 1960.

La gente también tiende a separar a Hendrix de sus raíces. Por ejemplo, no inventó movimientos llamativos como jugar a sus espaldas o con los dientes. T-Bone Walker estaba haciendo todo eso en el circuito chitlin & # 8217 en la década de 1940. [El término "circuito chitlin" se refiere a la colección de lugares de actuación que atendieron a artistas y públicos negros desde finales del siglo XIX hasta la era de los derechos civiles].

T-Bone Walker fue el indicado. ¡Ese circuito fue competitivo! El regionalismo jugó un papel importante en eso. Gente de Chicago, Nueva York, Filadelfia, Atlanta, ¿quién recibiría más aplausos? Claro, tocar bien la guitarra puede ser genial, ¡pero no tanto como alguien que pone la guitarra a sus espaldas! El público prefiere al chico que juega a sus espaldas.

He visto muchas cartas de lectores de revistas de guitarras que decían cosas como: "Jimi no era realmente blanco o negro, era un hijo del universo".

Eso es parte de la disonancia cognitiva. Alguien puede tener estereotipos racistas de los negros, pero ama a su corredor favorito, que es negro. La gente se enamoró de la imagen de Jimi, su visión y el espacio conceptual que ocupaba. Era una figura de Ícaro más grande que la vida. Mucha gente tuvo que separarlo de la cultura afroamericana. ¡Los negros también lo hicieron! No son solo los blancos quienes vigilan los límites de la negritud. También hacemos un gran trabajo definiendo quién está y quién no está en el club. Eso puede entrar en un territorio realmente incómodo, hablando de colorismo y claridad y oscuridad de la piel, como en el caso de Louis Armstrong.

T-Bone Walker realiza & # 8220Don & # 8217t Throw Your Love On Me So Strong & # 8221 en 1962.

Louis Armstrong era una superestrella internacional, pero había un apego fetichizado en sus rasgos: la oscuridad de su piel y su gran sonrisa blanca. Ese era realmente él, pero también jugó con una noción entretenida de "el moreno". [Baterista y director de orquesta influyente de jazz] Ronald Shannon Jackson, mi primer jefe real, contó una historia sobre una época en la que él y un grupo de jóvenes jazzistas estaban tocando en un festival, y Louis Armstrong estaba en el cartel. Hablaban de Armstrong como si fuera el tío Tom. Pero luego se acercó Armstrong y fue el tipo más amable, preguntando si tenían todo lo que necesitaban y si el festival los estaba tratando bien. Shannon dijo que se sentía avergonzado. Los jóvenes negros habían proyectado una imagen sobre Armstrong, pero luego entraron en contacto con él y se dieron cuenta de que no era lo que pensaban. Es un fenómeno real, ser despreciado por los negros porque les agradas a los blancos.

Después de 33 años, ¿ha cambiado algo?

Cosas tengo desplazada. Cada generación tiene que volver a despertar. Esta generación está experimentando actualmente un trauma y un despertar, y se expresará en la música. Habrá conflicto, pero también habrá nuevas preguntas y nuevos niveles de participación. La cuestión de la negrura es una cosa. Ahora también estamos lidiando con la cuestión de la blancura de una manera que no teníamos antes. Si la supremacía blanca está en segundo plano, entonces entendemos silenciosamente quién dirige las cosas. Si todo el mundo está de acuerdo con esa tranquila comprensión, el cambio procederá a paso de tortuga. Pero ahora existe una posibilidad real de desafiar eso. ¿Vamos a ser una comunidad de blancos, negros, marrones, amarillos o lo que sea? ¿Vamos a trascender el color? ¡No va a suceder por sí solo!

Fotografía principal: Scott Friedlander

Joe Gore es un músico, escritor y fanático de la tecnología de San Francisco. Ha grabado y actuado con docenas de artistas de renombre y ha escrito miles de artículos sobre música, músicos y tecnología musical para las principales publicaciones. También diseña pedales analógicos y colecciones de sonido para Helix.

6 respuestas a & # 8220 Rock, raza e historia: una conversación con Vernon Reid & # 8221

  1. wabaynes Dice:

Absolutamente me encantó esto. Una de mis publicaciones favoritas en este blog hasta ahora.

Esta es una mejor versión en vivo de Ernie Isley interpretando Summer Breeze del mismo período de tiempo:
https://youtu.be/jbKQeTKvMIY

¡Me encantó este artículo! Vernon es uno de mis héroes, y Joe también. Es genial leer una discusión tan reflexiva y ver tantos buenos ejemplos de los músicos discutidos aquí.

¡Eso fue asombroso! Si cada blog pudiera ser tan bueno & # 8230
Vernon ha sido uno de mis héroes de la guitarra de todos los tiempos desde que tenía 17 años y me enfurecería con Which Way to America!

Gracias Joe y Vernon por las contribuciones y los blogs que han bendecido.
nosotros con. Eres apreciado.

[& # 8230] Dos tercios de los trabajos artísticos y culturales de la ciudad de Nueva York han desaparecido (Bloomberg.com) * Rock, raza e historia: una conversación con Vernon Reid (Line6.com) * 25 canciones de jazz esenciales que trazan lo esencial Forma de arte estadounidense a través de la historia (EE. UU. [& # 8230]

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¿Quién era Charles Curtis, el primer vicepresidente de Color?

La semana que viene, cuando preste juramento, la senadora Kamala Harris hará historia como la primera mujer, la primera afroamericana y la primera persona de ascendencia del sur de Asia en convertirse en vicepresidenta de los Estados Unidos. Pero ella no será la primera persona de color en la oficina. Ese honor pertenece a Charles Curtis, un miembro inscrito de la Nación Kaw que se desempeñó como presidente Herbert Hoover & # 8217s veep durante todo su primer mandato de 1929 a 1933. El prejuicio contra los nativos americanos era generalizado e intenso en ese momento, pero el ascenso de Curtis & # 8217 Al oficio habla de su hábil navegación por el sistema político. Su ascenso también cuenta una historia más amplia de cómo los nativos americanos prominentes vieron cómo sus comunidades deberían asimilarse dentro de una sociedad y un gobierno predominantemente blancos. Las políticas que Curtis siguió en el Congreso y luego como vicepresidente, específicamente aquellas relacionadas con los temas nativos, nublan su legado hoy a pesar de sus innovadores logros.

Curtis nació en 1860 de un padre blanco de una rica familia Topeka y una madre que era un cuarto de Kaw (una tribu también conocida como Kanza o Kansa). Cuando era joven, la madre de Curtis murió y su padre luchó en la Guerra Civil por los Estados Unidos. Al crecer, pasó un tiempo viviendo con sus dos pares de abuelos y durante ocho años vivió en la reserva de Kaw. Curtis creció hablando kanza y francés antes de aprender inglés.

Mark Brooks, administrador del sitio de la Kansas Historical Society & # 8217s Kaw Mission, dice que Curtis era conocido por su carisma personal.

& # 8220 Tenía un don para la conversación, & # 8221 Brooks dice. & # 8220 Era una persona muy agradable incluso desde el principio cuando era solo un niño en Topeka. & # 8221

En 1873, el gobierno federal obligó a Kaw al sur hacia el Territorio Indio, que más tarde se convertiría en Oklahoma. El adolescente Curtis quería mudarse con su comunidad, pero, según su biografía del Senado, su abuela Kaw lo convenció de que se quedara con sus abuelos paternos y continuara su educación.

& # 8220 Seguí su espléndido consejo y, a la mañana siguiente, cuando los carromatos se dirigían al sur, con destino al territorio indio, monté en mi pony y con mis pertenencias en un saco de harina, regresé a Topeka y a la escuela, & # 8221 Curtis recordó más tarde. , en una floritura de autotitologización. & # 8220 Ningún hombre o niño recibió mejores consejos, fue el punto de inflexión en mi vida. & # 8221

Charles Curtis (izquierda) se sienta con Herbert Hoover. (Biblioteca del Congreso)

Curtis ganó algo de fama como un talentoso jinete, conocido en el circuito como & # 8220Indian Charlie & # 8221. Pero sus abuelos de ambos lados lo alentaron a seguir una carrera profesional, y se convirtió en abogado y luego en político. Los relatos contemporáneos citan su encanto personal y su voluntad de trabajar duro que le sirvieron bien en política.El político y editor de periódicos de Kansas, William Allen White, lo describió cargando libros con los nombres de los republicanos en cada municipio de Kansas, murmurando los nombres & # 8220 como un devoto adorador de un libro de oraciones & # 8221 para poder saludar a cada uno de ellos por su nombre y preguntar sobre su familia.

A pesar del trato racista de los Kaw por parte de los habitantes blancos de Kansas, que incluía el robo de tierras y el asesinato, muchos blancos estaban obviamente dispuestos a votar por Curtis.

& # 8220 Lo único que podría haber aliviado la persecución de Curtis fue que era medio blanco, & # 8221 Brooks. & # 8220 Él & # 8217 es de piel clara, no es de piel oscura como muchos Kanza. Su personalidad gana a la gente. Desafortunadamente, a los racistas les puede gustar una persona de color y aún así ser racistas, y creo que eso es lo que sucedió con Charlie. Era solo un niño popular. & # 8221

Curtis ascendió dentro del Partido Republicano que dominaba Kansas y se convirtió en congresista, luego en senador y, finalmente, en líder de la mayoría del Senado. En el cargo, era un republicano leal y defensor del sufragio femenino y las leyes sobre trabajo infantil.

A lo largo de su tiempo en el Congreso, Curtis también presionó constantemente por políticas que muchos nativos americanos hoy dicen que fueron un desastre para sus naciones. Favoreció la Ley Dawes de 1887, aprobada unos años antes de ingresar al Congreso, que permitió al gobierno federal dividir las tierras tribales en parcelas individuales, lo que finalmente llevó a la venta de sus tierras al público. Y en 1898, como miembro del Comité de Asuntos Indígenas, redactó lo que se conoció como la Ley Curtis, que amplía las disposiciones de la Ley Dawes y las disposiciones de las cinco tribus civilizadas de Oklahoma.

& # 8220 [La Ley Curtis] permitió la disolución de muchos gobiernos tribales en Oklahoma en el camino a que Oklahoma se convierta en un estado, & # 8221, dice Donald Grinde, un historiador de la Universidad de Buffalo que tiene herencia de Yamasse. & # 8220Y, por supuesto, eso [abrió] tierras tribales en Oklahoma a los colonos blancos, antes. & # 8221

Curtis también apoyó a los internados de nativos americanos, en los que los niños eran separados de sus familias y se les negaba el acceso a sus propios idiomas y culturas. El abuso fue desenfrenado. Grinde cita a las escuelas como un factor en la disminución de la población de nativos americanos entre 1870 y 1930.

& # 8220 Le dices a las madres & # 8216 OK, vas a dar a luz a un niño, pero a las 5 & # 8217 te lo van a quitar, & # 8217 & # 8221 Grinede. & # 8220 Muchas mujeres indias optaron por no tener hijos. & # 8221

La historiadora Jeanne Eder Rhodes, profesora jubilada de la Universidad de Alaska y miembro inscrito de las tribus Assiniboine y Sioux, dice que la división de tierras bajo las leyes Dawes y Curtis finalmente & # 8220 destruyó todo & # 8221 para muchas tribus nativas americanas. En ese momento, sin embargo, las posiciones de Curtis estaban lejos de ser únicas entre los nativos americanos. Si bien muchos estaban en contra de la división de tierras y otras políticas impulsadas por la Oficina federal de Asuntos Indígenas, otros creían que las tribus debían asimilarse a la sociedad estadounidense blanca y adoptar normas como la propiedad individual de la tierra.

& # 8220A principios de siglo, cuando él & # 8217 está trabajando, hay eruditos y escritores indios muy destacados y personas indias profesionales que están hablando de estos temas & # 8221, dice Rhodes. & # 8220Algunos de ellos se oponen a la idea, algunos de ellos se oponen a la Oficina de Asuntos Indígenas, algunos de ellos trabajan para la Oficina de Asuntos Indígenas. & # 8221

Dijo que Curtis, al igual que otros asimilacionistas nativos americanos, estaba preocupado por cuestiones como la educación y la salud de los nativos americanos, que ya estaban sufriendo inmensamente en los Estados Unidos antes de la Ley Dawes. Y, dijo, si Curtis no hubiera apoyado la asimilación, nunca habría llegado muy lejos en la época de la política dominada por los blancos.

& # 8220¿Qué haces cuando & # 8217 estás en una situación como Curtis? & # 8221, dice Rhodes. & # 8220Él & # 8217 está orgulloso de su herencia y, sin embargo, quiere estar en una posición en la que pueda hacer algo para apoyar los problemas de los nativos. Creo que hizo todo lo posible y creo que al final se arrepintió de ser asimilacionista. & # 8221

A medida que Curtis se acercaba a los sesenta y tantos, ya habiendo logrado tanto, tenía un peldaño más que escalar en la escalera política. En 1927, cuando el presidente republicano Calvin Coolidge anunció que no se postularía para otro mandato, vio su oportunidad de postularse para presidente el año siguiente.

Su plan era llevar a cabo una campaña entre bastidores, buscando el apoyo de los delegados que esperaba que lo vieran como un candidato de compromiso si no podían unirse detrás de uno de los favoritos. Desafortunadamente para él, ese escenario no resultó en que el secretario de Comercio, Herbert Hoover, ganó en la primera votación.

En ese momento, ya había resentimiento entre Curtis y Hoover. El senador se había enfurecido con la elección de Hoover & # 8217 en 1918 de hacer campaña a favor de los candidatos demócratas y trató de evitar que el entonces presidente Warren G. Harding lo nombrara para su gabinete, lo que hizo de todos modos en 1921. Siete años después, el Partido Republicano vio poner los dos juntos en su boleto como la solución a un problema grave: Hoover era tremendamente impopular entre los agricultores. Curtis, Kansas y el amado senador veterano # 8217, ofrecieron la elección perfecta para equilibrar al Secretario de Comercio.

Charles Curtis (izquierda) con la Banda India de los Estados Unidos de 13 tribus en el Capitolio de los Estados Unidos. (Biblioteca del Congreso)

Pero ¿qué pasa con su raza? Grinde dice que los líderes y votantes del Partido Republicano habrían estado al tanto de la identidad de Curtis & # 8217 Kaw.

& # 8220 Reconocieron que era un octavo indio, pero había servido a los intereses de los blancos durante mucho, mucho tiempo & # 8221 Grinde.

También señala que la relación de los estadounidenses blancos de la época con la identidad de los nativos americanos era complicada. Para algunas personas blancas sin vínculos culturales con las naciones nativas, podría ser un motivo de orgullo afirmar que sus pómulos altos los marcaban como descendientes de una & # 8220 princesa india americana & # 8221.

A pesar de su política asimilacionista, a lo largo de su carrera Curtis honró su herencia Kaw. Hizo tocar una banda de jazz india en la inauguración de 1928 y decoró la oficina del vicepresidente con artefactos nativos americanos. E, incluso si muchos nativos americanos estaban descontentos con los planes de asignación de tierras que él había defendido, muchos Kaw estaban orgullosos de él. Cuando fue elegido para el puesto de vicepresidente en la lista republicana, las comunidades de Kaw en Oklahoma declararon el & # 8220Curtis Day & # 8221 y algunos de sus parientes de Kaw asistieron a la inauguración.

Después de todo lo que había logrado para llegar a la vicepresidencia, el tiempo de Curtis en el cargo fue decepcionante. Hoover seguía sospechando de su antiguo rival y, a pesar de la enorme experiencia de Curtis en el funcionamiento del Congreso, lo mantuvo alejado de la política. Los conocedores de Washington bromearon diciendo que el vicepresidente solo podría ingresar a la Casa Blanca si compraba un boleto para la gira. El evento más conocido de su mandato involucró una disputa sobre el protocolo social entre Curtis & # 8217 hermana, Dolly, y Theodore Roosevelt & # 8217s hija, Alice. Dolly actuó como anfitriona de Curtis ya que su esposa había muerto antes de que él se convirtiera en vicepresidente, y afirmó que esto le daba derecho a sentarse ante las esposas de congresistas y diplomáticos en cenas formales. Alice se enfureció por lo que ella caracterizó como la propiedad cuestionable & # 8220 de designar a alguien que no sea una esposa para que tenga el rango de uno & # 8221. ser. En 1932, el boleto Hoover-Curtis perdió en una aplastante derrota ante el gobernador de Nueva York, Franklin Delano Roosevelt, y el presidente de la Cámara, John Nance Garner.

Y, sin embargo, dice Brooks, Curtis no perdió el gusto por la política. Después de su derrota, decidió quedarse en Washington como abogado en lugar de volver a su casa en Topeka. Cuando murió de un infarto en 1936, todavía vivía en la capital.

& # 8220 Eso se había convertido en quien era, & # 8221 Brooks dice.

Sobre Livia Gershon

Livia Gershon es una periodista independiente que vive en New Hampshire. Ha escrito para JSTOR Daily, Daily Beast, Boston Globe, HuffPost y Vice, entre otros.


PERFIL / ERNIE KENT / El entrenador en jefe de Oregon usa la historia para hacerlo

Ernie Kent ha encontrado la manera de revivir una parte gloriosa de su pasado. Ha transformado el baloncesto de Oregon en "That '70s Show", una mirada nostálgica a la felicidad que Kent y los Ducks disfrutaron hace 25 años.

El resto del país sigue siendo escéptico de este nuevo programa que se transmite a altas horas de la noche en la costa oeste. Oregon (17-5, 9-2) está solo en el primer lugar en el Pac-10. Derrotó a Arizona dos veces, una por 30 puntos. Derrotó a UCLA por 29. Es 6-0 contra los otros cinco equipos en la contienda por el título de la conferencia y es 5-0 contra los actuales equipos Top-25.

Sin embargo, la gente responde con un consenso: "Ya veremos".

Las derrotas ante Portland (5-17) y Washington (8-13) han creado preguntas. También lo ha hecho el hecho de que casi todo el éxito de los Ducks ha llegado en casa, y la mayoría de sus duros partidos fuera de casa aún no se han jugado, comenzando esta semana en el Área de la Bahía.

Después de todo, los Ducks fueron elegidos para terminar sextos, y son el único equipo Pac-10 que no se clasificó en una encuesta final y el único equipo Pac-10 que no ha podido terminar entre los dos primeros al menos una vez en el pasado. 24 temporadas.

¿Kent ha descubierto de repente el secreto de Eugene? Lo que ha descubierto Kent,

de hecho, es que no es necesario buscar ningún secreto. Para él, la respuesta está a la vista, tanto en el campus como en el libro de historia.

Mientras que sus predecesores, Don Monson y Jerry Green, dedicaron gran parte de su tiempo a cabildear por una nueva arena que reemplazara a la envejecida McArthur Court, que consideraban la perdición de la escuela, Kent ha hecho alarde del destartalado gimnasio construido en 1926. Lo ha convertido en una herramienta de reclutamiento, una identidad para los estudiantes enloquecidos y una pesadilla absoluta para los equipos visitantes.

"Su ventaja en la cancha es simplemente increíble", dijo el entrenador de Arizona, Lute Olson.

Kent ha hecho retroceder el reloj a los días en que jugó en Oregon, cuando los Kamikaze Kids entrenados por Dick Harter ganaron partidos y emocionaron a la multitud de Mac Court con un estilo físico y fanático que enfureció a los entrenadores rivales. Una vez, durante los calentamientos previos a los juegos, Marv Harshman hizo que sus jugadores de Washington se pararan en media cancha con máscaras de Groucho Marx mientras miraban a estos extraños jugadores de Oregon, que de alguna manera derrotaron a UCLA tres veces seguidas a mediados de los 70.

Esos Ducks pasaron de la mediocridad del Pac-8 a la repentina fama nacional, tal como lo ha hecho este equipo de Oregon en el Pac-10. Sin clasificar hace una semana, los Ducks se acercaron al No. 13 esta semana, que es su clasificación más alta desde que el equipo de Harter en 1975 fue el No. 13 en la temporada de segundo año de Kent.

"Jugar para Dick Harter fue algo realmente importante para Ernie", dijo Mike Montgomery, el entrenador en jefe de Stanford, donde Kent fue asistente en 1989-90 y '90 -'91. "Tenían una identidad. Él se identifica mucho con eso. Le gusta crear ese mismo tipo de imagen y (interés) nacional".

Kent había llegado a Oregon desde Rockford, Ill., Un miembro de la Sociedad Nacional de Honor y All-American de la escuela secundaria que podría haber ido a la universidad en cualquier lugar. Eligió el sentimiento hogareño y familiar que tenía en Oregon. "Yo era uno de diez hijos", dijo Kent, "y mis padres trabajaban todo el tiempo para llegar a fin de mes, así que no éramos una familia unida". Según los informes, su padre lo vio jugar solo un juego de la escuela secundaria.

Kent anhelaba lo que llamó "esa sensación cálida y confusa" que sintió cuando visitó la Universidad de Oregon y el equipo de Harter por primera vez. A veces, Kent siente que no ha pasado el tiempo desde entonces.

"A veces hay un extraño deja vu", dijo Kent. "Me doy la vuelta y miro detrás del banco y veo los mismos propulsores sentados exactamente en los mismos asientos que cuando estaba jugando. Excepto que ahora tienen a sus hijos adultos con ellos, niños para los que cuidé. Es simplemente una sensación divertida . "

Kent no puede escapar del sentimiento, porque todos lo conocen personalmente en la ciudad universitaria de Eugene. "Nunca podré dejar el trabajo aquí", dijo.

¿Cómo podría alguien que no jugó en Oregon tener la misma pasión por la escuela y Mac Court? ¿Y cómo podría alguien más transferir esa pasión a los jugadores?

"Ha recuperado el orgullo del baloncesto de Oregon", dijo Olson.

En lugar de ser un problema, Mac Court ha engendrado el orgullo. Kent habló sobre la santidad de Mac Court en cada oportunidad. Luke Ridnour, un Parade All-American y el recluta más importante de Oregon en años, llegó a Oregon en gran parte gracias a Mac Court. Kent recuerda haber visto a Ridnour asomarse a la arena en una visita no oficial hace dos años durante un partido contra Stanford.

"Lo vi entrar", dijo Kent. "Estábamos corriendo y teníamos ese rugido en el aire. Solo vi que Luke levantaba la cabeza cuando escuchó ese rugido y realmente lo estaba disfrutando. Eso jugó un papel importante en la razón por la que vino".

Oregon perdió ese juego, pero Mac Court registró una victoria significativa.

Al igual que Luke Jackson y Freddie Jones, Ridnour es el tipo de jugador deslumbrante y acelerado que Kent quiere, el tipo de jugador que era Kent cuando su apodo era Million Moves.

"Ernie era muy llamativo", dijo Jim Haney, ahora director ejecutivo de la Asociación Nacional de Entrenadores de Baloncesto, pero entrenador asistente de los Ducks cuando Kent jugaba allí. "Era un atleta muy talentoso, un asesino, un matador, excelente en el campo abierto, en cierto modo como entrena".

Aunque otros pensaron que Oregon tendría que jugar un juego estructurado y controlado para competir en el Pac-10, Kent ha ido al revés, acelerando a los Ducks, convirtiéndolos en un entretenimiento que atrae a los mejores jugadores y aumenta la emoción en los juegos en casa.

"Queríamos ser únicos en el Pac-10", dijo Kent. "Para tener alguna ventaja, teníamos que idear algo diferente. Ese era el juego de la velocidad: clavar, disparar triples. Era una herramienta de reclutamiento. Seguimos haciendo las cosas básicas, incluida la defensa, pero lo mejor para entretener. . "

Los Ducks son cuartos en el país en anotaciones, con un promedio de 85,5 puntos por partido.

"Últimamente, realmente han perfeccionado ese material de contraataque", dijo Montgomery. "No sé de dónde vino eso".


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Fax: (312) 661-2250

Estadísticas:

Subsidiaria de propiedad absoluta de Unilever plc
Incorporado: 1927 como la Compañía Nacional de Minerales
Empleados: 1.900
Ventas: $ 1.31 mil millones (1997 est.)
NAIC: 32562 Fabricación de preparación de inodoros

Helene Curtis Industries, Inc. fabrica y comercializa productos para el cuidado personal, principalmente champús y acondicionadores, lociones para manos y cuerpo, desodorantes y antitranspirantes. El champú constituye la fuerza principal de Helene Curtis: Suave es una de las principales marcas de champú en los Estados Unidos. Helene Curtis fue dirigida por la familia fundadora original desde su fundación hasta que Unilever, un conglomerado angloholandés, adquirió la empresa en 1996.

Orígenes en vísperas de la Gran Depresión

Helene Curtis fue fundada en Chicago en 1927 como National Mineral Company por Gerald Gidwitz y Louis Stein. La compañía comenzó fabricando un solo producto, la mascarilla facial Peach Bloom. Hechos de arcilla especial extraída en las colinas de Arkansas, los paquetes de barro faciales se empacaron y se vendieron a salones de belleza en todo el país. En un momento en que los productos para el cuidado personal se estaban volviendo cada vez más sofisticados, Gidwitz y Stein reconocieron que su único producto no podía sostener a la empresa con su mercado limitado. Los socios pronto cambiaron el énfasis de la compañía hacia los productos para el cuidado del cabello, comenzando una larga historia de producción de productos innovadores y exitosos para el cuidado personal.

Los años de la Gran Depresión, irónicamente, resultaron estar entre los más exitosos de la compañía. A medida que los peinados lisos de la década de 1920 dieron paso a la furia por las ondas, Gidwitz sintió una oportunidad en el cuidado del cabello. En ese momento, las complicadas máquinas onduladoras eléctricas tardaban horas en ondular el cabello y eran extremadamente caras de comprar para los esteticistas. Por lo tanto, este cuidado del cabello generalmente solo estaba disponible para las personas adineradas. Esto cambió cuando los investigadores de la National Mineral Company desarrollaron almohadillas onduladoras "sin máquina" y diseñaron una máquina que podía producirlas en masa. Las almohadillas crearon una revolución en la industria del cuidado del cabello, simplificando drásticamente el proceso de ondulación permanente y, en consecuencia, permitiendo a las personas tener un cuidado de belleza profesional a un precio asequible.

Gidwitz determinó que había otro aspecto del cuidado del cabello que podría brindar una oportunidad para la empresa. Hasta ese momento, la mayoría de la gente se lavaba el cabello con jabón común o para lavar, ya que los productos disponibles específicamente para usar en el cabello eran duros y caros. La compañía desarrolló Lanolin Creme Shampoo, uno de los primeros champús a base de detergente del país, introducido a mediados de la década de 1930. La popularidad del champú, disponible solo en salones de belleza, impulsó a National Mineral Company a seguirlo con Suave Hairdressing en 1937. La demanda del tónico para el cabello llegó a ser tan grande que la compañía comenzó a fabricar tamaños minoristas pequeños para la reventa en salones de belleza.

Dirigiendo su atención a la producción en tiempos de guerra durante la Segunda Guerra Mundial, el nombre de la compañía cambió a National Industries, Inc., y las fábricas se convirtieron para fabricar torretas de armas de aviones, motores eléctricos, equipos de radar y proyectores de sonido de películas para el ejército. La compañía también mantuvo su presencia en la industria del cuidado del cabello con la introducción de Empress, una nueva innovación para las ondas permanentes. Empress, una revolucionaria permanente química no tóxica, utilizó una solución de aceite en crema envuelta en varillas de madera. National Industries también se diversificó en la fabricación de secadores de pelo y otros productos de belleza profesionales. Mientras tanto, Gerald Gidwitz se convirtió en presidente y director ejecutivo durante los años de guerra.

El nombre de Helene Curtis después de la Segunda Guerra Mundial

Después de la guerra, National Industries volvió a centrarse en la fabricación de productos para el cuidado personal. El renovado énfasis en esta industria provocó un cambio de nombre y la empresa se convirtió en Helene Curtis en honor a la esposa y el hijo de Louis Stein. Fue en este momento que Suave Hairdressing y Lanolin Creme Shampoo se introdujeron para la venta minorista en departamentos y farmacias, y rápidamente comenzaron a vender más que la competencia. En 1948, reflejando el crecimiento de la compañía, Helene Curtis se mudó a una nueva sede corporativa e instalaciones de fabricación.

En 1950, Helene Curtis desarrolló el término genérico laca para el cabello para su nuevo producto en aerosol, Spray Net.Otros productos exitosos y efectivos introducidos durante la década de 1950 incluyeron el desodorante en aerosol Stopette y un champú anticaspa de venta libre llamado Enden. Estos dos productos se anunciaron en televisión durante programas como "¿Cuál es mi línea?" y "¡Oh! Susanna", que ayudó a convertir a Stopette en el desodorante más vendido del mercado, posición que mantuvo durante varios años.

Además, la compañía expandió su línea de productos con varias adquisiciones, incluidos artículos de tocador masculinos Kings Men, fragancias Lentheric y cosméticos Studio Girl. A mediados de la década de 1950, los productos de Helene Curtis se fabricaban y vendían en 25 países. Otro hito ocurrió en 1956 cuando Helene Curtis se hizo pública después de 32 años de propiedad privada, vendiendo 375,000 acciones de Clase A a $ 10 por acción.

Helene Curtis amplió aún más su línea de productos para el cuidado personal en 1960, cuando se comercializó Tender Touch, el primer aceite de baño de precio popular. Además, la compañía comenzó a aprovechar el éxito de su marca Suave, introduciendo champús, enjuagues en crema y conjuntos de ondas. Otros productos innovadores lanzados durante la década de 1960 fueron el acondicionador para el cabello Quik-Care, el aceite sintético para el cabello First Time y Secure, un desodorante prensado en polvo seco con una fórmula patentada.

En 1961, las acciones de Helene Curtis fueron aceptadas en la Bolsa de Valores de Nueva York y, a mediados de la década, la empresa había licenciado sus productos en 81 países. Aprovechando una tendencia de cabello de consumo, la División Profesional de Helene Curtis lanzó la línea Wigette de pequeños postizos hechos de cabello humano, así como versiones sintéticas bajo la marca Nature Blend.

La década de 1970 vio a Helene Curtis hacer más avances en permanentes. UniPerm se convirtió en la primera máquina compacta en dar ondas permanentes perfectas, mientras que la División Profesional presentó Moisture Quotient y la permanente One Better, la primera permanente que combina las ventajas de la ondulación y el acondicionamiento alcalino. Además, un champú llamado Everynight, diseñado para un uso frecuente y dirigido a adolescentes, fue promocionado exclusivamente por la estrella del tenis Chris Evert. Mientras tanto, la marca Suave, que había vendido su botella mil millones, amplió su selección de fragancias y fórmulas, y en 1977 Suave se convirtió en el champú más vendido en los Estados Unidos. Se lanzó un antitranspirante / desodorante roll-on de la marca Suave, que marca la primera entrada de la compañía en esa categoría. A finales de la década, Helene Curtis estaba representada en más de 110 países.

Helene Curtis se unió al grupo de empresas Fortune 500 en la década de 1980 y se estableció como líder en crecimiento en la industria del cuidado personal. Durante una época en la que muchos de los competidores de la compañía estaban creciendo a través de adquisiciones, Helene Curtis mantuvo su estrategia de larga data de impulsar el crecimiento a través de la innovación continua y más extensiones de marca. Además, la compañía estaba dando pasos importantes en sus mercados internacionales, especialmente Japón, uno de los primeros mercados internacionales en los que Helene Curtis estableció presencia durante la década de 1950. A mediados de la década de 1990, el mercado japonés representaba más del 20 por ciento de las ventas anuales de la empresa.

Introducción de nuevos productos en la década de 1980

Sobre la base del nombre y la reputación de Suave, la marca se mantuvo firme en su posición como la principal marca de cuidado diario del cabello en los Estados Unidos, Helene Curtis ingresó al sector de las lociones para el cuidado de la piel con varias fórmulas diferentes. Además, una nueva línea de antitranspirantes / desodorantes Suave fortaleció la presencia de la compañía en esa categoría. Sin embargo, en 1982 se lanzó una nueva marca con una inversión de 35 millones de dólares y la introducción del acondicionador Finesse. El producto, con su fórmula patentada, activada con el tiempo, diseñada para brindar un acondicionamiento ligero y profundo según sea necesario, resultó tan popular que la marca de precio premium se expandió para incluir champú y laca para el cabello, así como la línea de artículos para el cuidado del cabello Finesse Nutricare.

Helene Curtis siguió el éxito de Finesse con el lanzamiento de $ 40 millones de la marca Salon Selectives de champús, acondicionadores y lacas para el cabello. Al ofrecer productos personalizados que combinaban la herencia del salón de la compañía con un precio de rango medio, las ventas del primer año alcanzaron los $ 40 millones, recuperando la inversión inicial de Helene Curtis. Para 1988, tanto Salon Selectives como Finesse se habían unido a Suave como líderes en sus segmentos de mercado, y el éxito de las marcas en los Estados Unidos fue igualado por su popularidad en los mercados internacionales. Mientras tanto, la División Profesional fortaleció su posición de liderazgo en la categoría de salón con la introducción de productos como Post Impressions, un sistema de ondulación que eliminó el olor y la sequedad post-permanente, y la línea de productos para el cuidado del cabello con colágeno Atracciones. La marca Quantum también se lanzó con Quantum Acid Perm que rápidamente se convirtió, como sigue siendo, la marca de ondas permanentes más vendida.

Las líneas de productos de la compañía no fueron las únicas en su expansión durante la década de 1980 y el negocio ampmdash había experimentado un auge, también lo hizo la necesidad de capacidad de fabricación adicional. En 1982, Helene Curtis completó la construcción de una planta en City of Industry, California. Esto fue seguido en 1989 por un moderno centro de distribución de $ 32 millones que, con 376,000 pies cuadrados, tenía el doble de capacidad que las instalaciones anteriores. Además, la sede corporativa de la empresa se trasladó en 1984. Ronald J. Gidwitz, hijo de Gerald Gidwitz, asumió el cargo de director ejecutivo en 1985.

Nuevos productos y paternidad en la década de 1990

En 1990, Helene Curtis presentó el antitranspirante / desodorante Degree, en ese momento el lanzamiento de un nuevo producto más exitoso de la compañía. Con una fórmula activada a medida que aumenta el calor corporal, y con la ayuda de una campaña publicitaria de $ 50 millones, Degree rápidamente obtuvo una gran participación de mercado, logrando la meta de participación de mercado de la compañía para el primer año de la marca en solo ocho meses. Este éxito fue seguido por otra entrada en el mercado del cuidado del cabello con la introducción de la marca Vibrance. Vibrance tenía un precio más alto que otros champús de Helene Curtis y las ventas fueron lentas, lo que llevó a su reposicionamiento como marca orgánica. A fines del año fiscal 1992, Helene Curtis había alcanzado la marca de los mil millones de dólares con ventas totales de $ 1.020 millones.

Sin embargo, a medida que avanzaba la década de 1990, se hizo cada vez más claro que el tamaño más pequeño de Helene Curtis en comparación con sus competidores la colocaba en una desventaja significativa. A medida que se abrían más y más mercados emergentes y la industria del cuidado personal se volvía cada vez más global, Helene Curtis simplemente no tenía los recursos para competir a escala internacional con gigantes como Procter & amp Gamble Company y Unilever. La compañía comenzó a buscar un socio, encontró uno en Unilever y anunció en febrero de 1996 que había acordado ser adquirida por Unilever por alrededor de $ 770 millones. Helene Curtis se unió así a una empresa que obtenía alrededor del 20 por ciento de sus ingresos de productos para el cuidado personal, incluidas marcas como cosméticos Elizabeth Arden y Calvin Klein, vaselina, limpiadores faciales Pond's, hisopos, quitaesmaltes Cutex y pasta de dientes Pepsodent.

Después de la adquisición, Unilever realizó una serie de movimientos para fortalecer a Helene Curtis. En noviembre de 1996, Unilever vendió el lado norteamericano de la línea profesional de cuidado del cabello de Helene Curtis a Shiseido Company Limited de Japón. Luego, en 1997, Unilever vendió el negocio japonés de cuidado del cabello profesional de Helene Curtis, también a Shiseido. La fuerza laboral de Helene Curtis se redujo casi a la mitad, sus operaciones se consolidaron y una iniciativa de racionalización de productos redujo la línea de productos de la compañía en aproximadamente un 20 por ciento a mediados de 1997. En octubre de 1997, Unilever fusionó tres empresas estadounidenses de cuidado personal: Helene Curtis, Chesebrough-Pond's y Lever Brothers, en una nueva unidad de Home & amp Personal Care North America. Sin embargo, las tres empresas continuaron operando de forma independiente. Ronald Gidwitz siguió siendo presidente y director ejecutivo de Helene Curtis inmediatamente después de la adquisición, pero renunció en 1998 para concentrar su atención en su compañía de capital de riesgo.

En febrero de 1998, Helene Curtis hizo su primera presentación importante de producto como subsidiaria de Unilever. Ese mes marcó el debut de los champús, acondicionadores y ayudas para el peinado ThermaSilk, que fueron respaldados por una campaña publicitaria de 85 millones de dólares, una de las más grandes en la historia de la compañía. La nueva línea se basó en tecnología activada por calor que fue diseñada para mejorar la condición del cabello con el uso de un secador de pelo. La compañía predijo que ThermaSilk generaría 120 millones de dólares en ventas durante su primer año, y esa cifra se superó. En 1999, por lo tanto, la marca fue impulsada a través de un esfuerzo de marketing de $ 100 millones y la línea se amplió con el debut de tres productos más. Este exitoso lanzamiento proporcionó una sólida evidencia de la renovada fuerza de Helene Curtis gracias a los bolsillos profundos de su nueva matriz.

Subsidiarias principales: Helene Curtis Australia Pty. Ltd. Helene Curtis Europa B.V. (Países Bajos) Helene Curtis International Italia S.p.A. (Italia) Helene Curtis Japan Inc. Helene Curtis, Ltd./Ltee. (Canadá) Helene Curtis New Zealand Ltd. Helene Curtis Scandinavia AB (Suecia) Helene Curtis UK, Inc.

Unidades Operativas Principales: Helene Curtis International Helene Curtis Norteamérica Helene Curtis U.S.A. Helene Curtis U.S.A. Professional.

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Fuente: Directorio internacional de historias de empresas, vol. 28. St. James Press, 1999.


BIOGRAFÍA

Ernest Eugene Barnes, Jr. nació la mañana del viernes 15 de julio de 1938 en Durham, Carolina del Norte durante la era de Jim Crow. Vivía con sus padres y su hermano menor en lo que entonces se llamaba "The Bottom", una comunidad cerca del distrito de Hayti de la ciudad. Su padre, Ernest E. Barnes, Sr. (1899 & # 8211 1966) trabajó como empleado de envío para Liggett Myers Tobacco Company en Durham. Su madre, Fannie Mae Geer (1905 & # 8211 2004) supervisó el personal doméstico de un destacado abogado de Durham y miembro de la Junta de Educación, Frank L. Fuller, Jr.

Los días en que Fannie permitía que "June" (el apodo de Barnes para la familia y los amigos de la infancia) la acompañara al trabajo, Fuller lo alentaba a leer libros de arte y escuchar música clásica. Cuando Barnes ingresó al primer grado, estaba familiarizado con las obras de maestros como Toulouse-Lautrec, Delacroix, Rubens y Miguel Ángel. Cuando ingresó a la secundaria, pudo apreciar, así como decodificar, muchas de las preciadas obras maestras dentro de las paredes de los principales museos, aunque pasarían muchos años más antes de que se le permitiera la entrada debido a la segregación.

Barnes, que se describe a sí mismo como un niño regordete y poco atlético, fue objeto de burlas e intimidación por parte de sus compañeros de clase. Continuamente buscó refugio en sus cuadernos de bocetos, encontrando las partes menos transitadas del campus lejos de los otros estudiantes. Un día, Ernest estaba dibujando en su cuaderno en una zona tranquila de la escuela. Fue descubierto escondido allí por el maestro de albañilería Tommy Tucker, quien también era entrenador de levantamiento de pesas y ex atleta. Tucker estaba intrigado con los dibujos de Barnes & # 8217, por lo que le preguntó al aspirante a artista sobre sus calificaciones y objetivos. Tucker compartió su propia experiencia de cómo el culturismo mejoró su fuerza y ​​perspectiva de la vida. Ese encuentro daría comienzo a la disciplina y dedicación de Barnes que impregnarían su vida. En su último año en Hillside High School, Barnes se convirtió en el capitán del equipo de fútbol y campeón estatal en el lanzamiento de peso.

Barnes solo asistió a escuelas segregadas racialmente. En 1956 se graduó de Hillside High en Durham con 26 ofertas de becas deportivas. La segregación le impidió considerar el cercano Duke o la Universidad de Carolina del Norte. Su madre le prometió un automóvil si vivía en casa, por lo que asistió a la Universidad de Carolina del Norte para negros en Durham (antes Universidad de Carolina del Norte para negros, ahora Universidad Central de Carolina del Norte) que se encuentra al otro lado de la calle de su escuela secundaria. En North Carolina College se especializó en arte con una beca deportiva completa. Su entrenador de atletismo fue el famoso Dr. Leroy T. Walker. Barnes jugó las posiciones de fútbol de tackle y centro en NCC.

A los 18 años, en un viaje de campo de la clase de arte de la universidad al recientemente desagregado Museo de Arte de Carolina del Norte en Raleigh, Barnes preguntó dónde podía encontrar "pinturas de artistas negros". El docente respondió: "Tu gente no se expresa de esa manera". 23 años después, en 1979, Barnes regresó al museo para una exposición individual y asistió el gobernador de Carolina del Norte, James Hunt.

En 1990, Barnes recibió un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes por la Universidad Central de Carolina del Norte.

En 1999, Barnes recibió & # 8220 Premio de la Universidad, & # 8221 el más alto honor de la Junta de Gobernadores de la Universidad de Carolina del Norte.

FÚTBOL PROFESIONAL

Colts de Baltimore (1959-60)

En diciembre de 1959, Barnes fue seleccionado en la décima ronda por los entonces campeones mundiales Baltimore Colts.

Poco después de cumplir 22 años, mientras estaba en el campo de entrenamiento de los Colts, Barnes fue entrevistado por N.P. Clark, redactor deportivo del periódico Baltimore News-Post. Hasta entonces, Barnes siempre fue conocido por su nombre de nacimiento, Ernest Barnes. Pero cuando apareció el artículo de Clark del 20 de junio de 1960, se refirió a él como "Ernie Barnes", lo que cambió su nombre y su vida para siempre.

Titanes de Nueva York (1960)

Barnes fue el último corte del campo de entrenamiento de los Colts. Después de que Baltimore liberó a Barnes, los recién formados Titans of New York lo firmaron de inmediato porque el equipo tenía la primera opción sobre cualquier jugador liberado dentro de la liga.

Barnes detestaba estar en los Titans. La "(organización del equipo de Nueva York) fue un circo de ineptitud", escribió Barnes. “El equipo era pobre, los entrenadores no tenían tanto conocimiento como los de Baltimore. Éramos como un grupo de muchachos en el vecindario que decían, hagamos como que somos profesionales ".

Después de su séptimo juego el 9 de octubre de 1960 en el Jeppesen Stadium, su compañero de equipo Howard Glenn murió. Barnes pidió su liberación dos días después. La causa de la muerte de Glenn se informó como un cuello roto. Sin embargo, Barnes y otros compañeros de equipo lo han atribuido durante mucho tiempo al golpe de calor. En una entrevista posterior, Barnes dijo: “En realidad, nunca dijeron de qué murió. (El entrenador) Sammy Baugh dijo que se había roto el cuello en un juego el domingo anterior. ¿Pero cómo puede ser eso? ¿Cómo pudo batear en los entrenamientos toda la semana con el cuello roto? De lo que murió, creo, fue más como un agotamiento por calor. Les dije que no quería jugar en un equipo como este ".

Cargadores de San Diego (1960-62)

Barnes decidió aceptar una oferta anterior del entrenador Al Davis en Los Angeles Chargers. Barnes se unió a su equipo a mitad de temporada como miembro de su escuadrón de taxis. La siguiente temporada en 1961 el equipo se mudó a San Diego, uniéndose a la Liga Nacional de Fútbol. Fue allí donde Barnes conoció a su compañero de equipo Jack Kemp, y los dos compartirían una amistad de por vida muy cercana.

Durante las temporadas bajas con los Chargers, Barnes fue director de programa en el YMCA del sudeste de San Diego y trabajó con personas en libertad condicional de la Autoridad Juvenil de California. También trabajó como editor de deportes para & # 8220The Voice, & # 8221, un periódico local de San Diego, escribiendo una columna semanal llamada "A Matter of Sports".

Barnes también ilustró varios artículos para & # 8220San Diego Magazine & # 8221 durante las temporadas bajas en 1962 y 1963.

La primera entrevista televisiva de Barnes, como artista, fue en 1962 el & # 8220 El show de Regis Philbin & # 8221 en KGTV en San Diego. Fue el primer programa de entrevistas de Philbin. Se volverían a ver 45 años después cuando Philbin asistió al homenaje a Barnes en la ciudad de Nueva York.

Broncos de Denver (1963-64)

A mitad de la segunda temporada de Barnes con los Chargers, fue cortado después de una serie de lesiones. Luego firmó con los Denver Broncos.

Barnes fue multado a menudo por el entrenador de Denver, Jack Faulkner, cuando lo sorprendían dibujando durante las reuniones del equipo. Uno de los bocetos por los que recibió una multa de 100 dólares se vendió años después por 1000 dólares.

Muchas veces durante los descansos en los juegos de los Broncos, Barnes salía corriendo del campo hacia la línea lateral para darle a su entrenador de línea ofensiva, Red Miller, los trozos de papel de sus bocetos y notas.

“Durante un tiempo de espera no tienes nada que hacer, no estás hablando, solo estás tratando de respirar, principalmente.Nada para sacar ese lapicito y anotar lo que viste. Lo que veo cuando tiras (fuera de línea). La reacción de la defensa a tu movimiento. La conciencia de las líneas dentro del movimiento. La forma de los linieros. El lenguaje corporal que ocuparía un liniero defensivo & # 8230 su postura.

La conciencia de las líneas dentro del movimiento, el patrón dentro de las líneas, el ritmo del movimiento. Un par de notas para mí denotarían una acción & # 8230 una imagen que podría recrear instantáneamente en mi mente. Algunas de esas notas se han convertido en pinturas. En realidad, bastantes ".

En la tarjeta de fútbol de 1964 de los Denver Broncos Topps de Barnes, se le muestra con la camiseta número 55, aunque nunca jugó en ese número. Su camiseta era la número 62.

Barnes fue llamado "Big Rembrandt" por sus compañeros de equipo de Denver. Casualmente, Barnes y el artista holandés comparten el cumpleaños del 15 de julio.

Liga de fútbol canadiense

En 1965, después de su segunda temporada con los Broncos, Barnes firmó con los Saskatchewan Roughriders en Canadá. En el último cuarto de su último partido de exhibición, Barnes se fracturó el pie derecho, en efecto, poniendo fin a su carrera futbolística profesional.

Retiro del fútbol profesional

Poco después de su último partido de fútbol, ​​Barnes asistió a la reunión de propietarios de 1965 en Houston con la esperanza de convertirse en el artista oficial de la liga de fútbol. Allí fue presentado al propietario de los New York Jets, Sonny Werblin, quien quedó impresionado por Barnes y su arte. Pagó a Barnes para que trajera sus pinturas a Nueva York. Más tarde se conocieron en una galería y sin que Barnes lo supiera, tres críticos de arte estaban allí para evaluar sus pinturas. Le dijeron a Werblin que Barnes era "el pintor de deportes más expresivo desde George Bellows".

En lo que sin duda fue un puesto inusual en la historia de la NFL, Werblin retuvo a Barnes como jugador asalariado, pero lo colocó frente a la lona, ​​en lugar de en el campo de fútbol. Werblin le dijo a Barnes: "Tienes más valor para el país como artista que como jugador de fútbol".

La primera exposición individual de Barnes en noviembre de 1966, presentada por Werblin en las Grand Central Art Galleries de la ciudad de Nueva York, fue aclamada por la crítica y todas las pinturas vendidas.

En 1971, Barnes escribió una serie de ensayos (ilustrados con sus propios dibujos) en el periódico Gridiron titulado & # 8220 Odio el juego que amo & # 8221 (con Neil Amdur). Estos artículos se convirtieron en el manuscrito inicial de su autobiografía, publicado más tarde en 1995 titulado & # 8220De los pads a la paleta & # 8220 que narra su transición del fútbol profesional a su carrera artística.

En 1993 Barnes fue seleccionado para el & # 8220Equipo de todos los tiempos de 100 años de fútbol americano universitario negro & # 8221 por Sheridan Broadcasting Network.

Barnes le da crédito a su instructor universitario Ed Wilson por sentar las bases para su desarrollo como artista. Wilson fue un escultor que instruyó a Barnes a pintar a partir de sus propias experiencias de vida. “Me hizo consciente del hecho de que el artista que es útil para Estados Unidos es aquel que estudia su propia vida y la registra a través del arte, los modales y costumbres de sus propias experiencias”.

Toda su vida, Barnes fue ambivalente sobre su experiencia futbolística. En entrevistas y apariciones personales, Barnes dijo que odiaba la violencia y el tormento físico del deporte. Sin embargo, sus años como atleta le dieron observaciones únicas y profundas. “(Wilson) me dijo que prestara atención a cómo se sentía mi cuerpo en movimiento. Dentro de ese alargamiento, hay un sentimiento, una actitud y una expresión. Odio pensar en cómo sería mi trabajo si no hubiera practicado deportes ”.

Barnes vendió su primera pintura "Slow Dance" a los 21 años en 1959 por $ 90 al Boston Celtic Sam Jones. Posteriormente se perdió en un incendio en la casa de Jones & # 8217.

Numerosos artistas se han visto influenciados por el arte y el estilo único de Barnes, lo que ha provocado mucha confusión e infracción de los derechos de autor.

Ernie Barnes enmarcó sus pinturas con madera envejecida en homenaje a su padre. En su autobiografía de 1995, el artista Ernie Barnes escribió sobre su padre: “& # 8230 con tan poca educación, había trabajado tan duro para nosotros. Su legado para mí fue su esfuerzo, y eso fue suficiente. No sabía absolutamente nada de arte ".

Semanas antes de la primera exposición de arte individual de Ernie Barnes en 1966, estaba en la casa familiar en Durham, Carolina del Norte, mientras su padre yacía en el hospital después de sufrir un derrame cerebral. Se dio cuenta de que la valla blanca, que por lo general estaba bien mantenida, había estado desatendida desde la enfermedad de su padre. Días después, Ernest E. Barnes, Sr. falleció. “Coloqué una pintura contra la cerca, me aparté y eché un vistazo. Me sorprendió la unión entre la vieja valla de madera y el cuadro. Fue perfecto. En homenaje, la valla de papá abrazaría todos mis cuadros en una prestigiosa galería de Nueva York. Eso le habría hecho sonreír ".

Ojos cerrados

Una característica consistente y distintiva en el trabajo de Barnes son los ojos cerrados de sus sujetos. En una entrevista televisiva, Barnes dijo: “Fue en 1971 cuando concibí la idea de "La belleza del gueto & # 8217" como exposición. Y se lo mostré a algunas personas que eran negras para obtener una reacción. Y de una (persona) fue muy negativo. Y cuando comencé a expresar mis puntos de vista (a este) profesional, se resistió a la idea. Y como resultado de sus comentarios y su actitud, comencé a ver, a observar, lo ciegos que somos para la humanidad de los demás. Cegado por muchas cosas que, tal vez, han iniciado sentimientos bajo esa luz. No vemos las profundidades de nuestra interconexión. Los dones, la fuerza y ​​el potencial de otros seres humanos. Nos detenemos en el color con bastante frecuencia. Entonces, una de las cosas de las que debemos ser conscientes es de quiénes somos para tener la capacidad de agradar a los demás. Pero cuando no puedes visualizar las ofrendas de otro ser humano, obviamente no estás mirando al ser humano con los ojos abiertos. Nos miramos y decidimos de inmediato: esta persona es negra, por lo que debe ser & # 8230 Esta persona vive en la pobreza, por lo que debe ser & # 8230 ”

Influencia de la comunidad judía

Mudarse a un vecindario totalmente judío en Los Ángeles conocido como el distrito de Fairfax en 1971 fue un punto de inflexión importante en la vida y el arte de Barnes & # 8217.

& # 8220 Fairfax me animó a los temas de la vida cotidiana, & # 8221 dijo, & # 8220 y me obligó a mirar mi vida & # 8211 como había crecido, las costumbres dentro de mi comunidad versus las costumbres en la comunidad judía. Sus costumbres estaban documentadas, las nuestras no. Debido a que no teníamos ni idea de que nuestra propia cultura tenía valor y debido a la frase & # 8216Black is Beautiful & # 8217 acababa de ponerse de moda, los negros estaban empezando a apreciarse a sí mismos como personas. Pero cuando se dijo, & # 8216I & # 8217m Negro y yo & # 8217m Orgulloso, & # 8217 dije, & # 8216 ¿Orgulloso de qué? & # 8217 Y esa pregunta de & # 8216 Orgulloso de qué & # 8217 llevó a una serie de pinturas que se convirtió en "La belleza del gueto". & # 8221

& # 8220La belleza del gueto & # 8221 Exposición

En respuesta al movimiento cultural "Lo negro es hermoso" de la década de 1960 y al movimiento cultural de James Brown en 1968 & # 8220 Dilo en voz alta: soy negro y estoy orgulloso & # 8221 canción, Barnes creó & # 8220La belleza del gueto & # 8221 Exposición de 35 pinturas que recorrió las principales ciudades de Estados Unidos desde 1972 hasta 1979 organizada por dignatarios, atletas y celebridades.

De esta exposición, Barnes dijo: “Estoy proporcionando un fondo pictórico para comprender la estética de la América negra. No es una súplica para que la gente continúe viviendo allí (en el gueto), pero para aquellos que se sienten atrapados, es & # 8230 un desafío de cuán hermosa puede ser la vida ”.

Cuando la exposición estuvo a la vista en 1974 en el Museo de Arte Africano en Washington, DC, el representante John Conyers destacó el importante mensaje positivo de la exposición en el Registro del Congreso.

El Comité Organizador Olímpico de Los Ángeles nombró a Barnes & # 8220Sports Artista de los Juegos Olímpicos de 1984 & # 8221. El presidente de LAOOC, Peter V. Ueberroth, dijo que Barnes y su arte & # 8220 capturaron la esencia de los Juegos Olímpicos & # 8221 y & # 8220 retratan la diversidad étnica de la ciudad & # 8217s, el poder y la emoción de la competición deportiva, la unidad de propósito y las esperanzas que se esconden en el la creación de atletas en todo el mundo. & # 8221 Barnes recibió el encargo de crear cinco pinturas de temática olímpica y actuar como portavoz olímpico oficial para alentar a la juventud del centro de la ciudad.

1985: Barnes fue nombrado el primero & # 8220 Artista deportivo del año & # 8221 por la Academia de Deportes de los Estados Unidos.

1987: Barnes crea & # 8220Fastbreak, & # 8221 una pintura encargada del equipo de baloncesto campeón mundial Los Angeles Lakers que incluía a Magic Johnson, Kareem Abdul-Jabbar, James Worthy, Kurt Rambis y Michael Cooper.

1996: Jerry y Rosalind Richardson, propietarios del equipo de fútbol Carolina Panthers, encargaron a Barnes la creación de la gran pintura. & # 8220 Victoria en horas extraordinarias & # 8221 (7 pies x 14 pies). Se dio a conocer antes de la temporada inaugural de 1996 del equipo y está colgado de forma permanente en la suite del propietario del estadio. Richardson y Barnes fueron compañeros de equipo de los Baltimore Colts brevemente en 1960.

1996: Para conmemorar su 50 aniversario, la Asociación Nacional de Baloncesto le encargó a Barnes que creara una pintura con el tema "Dónde estábamos, dónde estamos y hacia dónde vamos". La pintura, & # 8220 El sueño se despliega & # 8221 cuelga en el Salón de la Fama del Baloncesto Naismith Memorial en Springfield, Massachusetts. Se realizó una edición limitada de litografías, y las primeras 50 copias fueron destinadas a cada uno de los equipos del 50 aniversario de la NBA de todos los tiempos.

2004: Barnes fue nombrado & # 8220 Mejor pintor de deportes de Estados Unidos & # 8221 por el American Sport Art Museum & amp Archives.

Otras comisiones deportivas notables incluyen pinturas para los dueños de los equipos de fútbol de los New Orleans Saints, Oakland Raiders y Boston Patriots.

& # 8220The Bench & # 8221 pintura

Poco después de que Barnes fuera reclutado por los Baltimore Colts, fue invitado a ver su juego de campeonato de la NFL contra los New York Giants en el Memorial Stadium de Maryland el 27 de diciembre de 1959. Los Colts ganaron 31-16 y Barnes estaba lleno de emociones. después de ver el juego desde detrás del banco de los Colts & # 8217. A los 21 años, acababa de firmar su contrato de fútbol y conoció a sus nuevos compañeros de equipo Johnny Unitas, Jim Parker, Lenny Moore, Art Donovan, Gino Marchetti, Alan Ameche y & # 8220Big Daddy & # 8221 Lipscomb.

Después de regresar a casa, sin hacer ningún boceto preliminar, se dirigió directamente a un lienzo en blanco para registrar su punto de vista. Usando una espátula, "pintando con movimientos rápidos y directos con la esperanza de capturar la visión & # 8230 antes de que se evapore", dijo Barnes, creó & # 8220El banco & # 8221 en menos de una hora. A lo largo de su vida, & # 8220El banco & # 8221 permaneció en posesión de Barnes, incluso llevándolo con él a todos sus campos de entrenamiento de fútbol y escondiéndolo debajo de su cama. Sería la única pintura que Barnes nunca vendería, a pesar de muchas ofertas sustanciales, incluida una oferta de $ 25,000 en su primera exhibición en 1966.

En 2014, Bernie Barnes presentó la pintura de su esposo & # 8217s & # 8220El banco & # 8221 al Salón de la Fama del Fútbol Americano Profesional por su colección permanente en Canton, Ohio.

& # 8220The Sugar Shack & # 8221 pintura

Barnes creó la pintura & # 8220La choza de azúcar & # 8221 a principios de la década de 1970. Ganó exposición internacional cuando se usó en la serie de televisión Good Times y en un álbum de Marvin Gaye de 1976.

Según Barnes, creó la versión original de & # 8220La choza de azúcar & # 8221 después de reflexionar sobre su infancia, durante la cual no pudo & # 8220 ir a un baile & # 8221, dijo Barnes en una entrevista de 2008, & # 8220La choza del azúcar " es un recuerdo de una experiencia infantil. Fue la primera vez que mi inocencia se encontró con los pecados de la danza. La pintura transmite ritmo por lo que la experiencia se recrea en quien la ve. Mostrar que los afroamericanos utilizan el ritmo como una forma de resolver la tensión física ".

& # 8220The Sugar Shack & # 8221 ha sido conocido por los críticos de arte por encarnar el estilo de composición artística conocido como & # 8220Black Romantic & # 8221 que, según Natalie Hopkinson de The Washington Post, es el & # 8220 equivalente en arte visual de el circuito de Chitlin & # 8217. & # 8221

Cuando Barnes creó por primera vez & # 8220La choza de azúcar, & # 8221 incluyó la estación de radio de su ciudad natal WSRC (Durham, NC) en una pancarta. Enumeró incorrectamente la frecuencia como 620. En realidad era 1410. Barnes confundió lo que solía escuchar a WSRC & # 8217s, la personalidad al aire Norfley Whitted diciendo & # 8220620 en su dial & # 8221 cuando Whitted estaba en su antigua estación WDNC a principios de la década de 1950 .

Después de que Marvin Gaye le pidiera permiso para usar la pintura como portada del álbum, Barnes luego amplió la pintura agregando referencias que aluden al álbum de Gaye & # 8217s, incluidas pancartas que cuelgan del techo para promocionar el álbum & # 8217s singles.

Durante el & # 8220Motown 25: ayer, hoy, para siempre & # 8221 especial de televisión de aniversario el 25 de marzo de 1983, se rindió homenaje a & # 8220La choza de azúcar & # 8221 con una interpretación de danza de la pintura. También fue durante esta transmisión que Michael Jackson presentó su famoso baile & # 8220moonwalk & # 8221.

Portadas de álbumes de música

El trabajo de Barnes aparece en las siguientes portadas de álbumes:

  • & # 8220La choza de azúcar & # 8221 pintura en 1976 de Marvin Gaye & # 8220 Te quiero & # 8221
  • & # 8220La discoteca & # 8221 pintura sobre homónimo 1978 & # 8220Fe, esperanza y caridad & # 8221
  • & # 8220Donald Byrd y 125th Street, Nueva York & # 8221 pintura en álbum homónimo de 1979
  • & # 8220 DJ de noche & # 8221 pintura en 1980 de Curtis Mayfield & # 8220Algo en lo que creer & # 8221
  • & # 8220 El Maestro & # 8221 pintura sobre The Crusaders & # 8217 1984 & # 8220Ghetto Blaster & # 8221
  • & # 8220 Cabeza sobre tacones & # 8221 pintura sobre The Crusaders '1986 & # 8220Los buenos y malos tiempos & # 8221
  • & # 8220In Rapture & # 8221 pintura en B.B. King's 2000 & # 8220 Hacer el amor es bueno para ti & # 8221

Otras exposiciones y arte notables

1992: a raíz de los disturbios de Los Ángeles, el alcalde Tom Bradley utilizó la pintura de Barnes & # 8220 Crecimiento a través de límites & # 8221 como una valla publicitaria inspiradora en el centro de la ciudad. Barnes contribuyó con $ 1000 al ganador de un concurso de lemas entre los estudiantes de secundaria de la ciudad que mejor representaba la pintura.

1995: el trabajo de Barnes se incluyó en la exposición colectiva itinerante & # 8220 Obras maestras del siglo XX de artistas afroamericanos II. & # 8221

1998: pintura de Barnes & # 8220 El abogado & # 8221 fue donado a la Facultad de Derecho de la Universidad Central de Carolina del Norte por un coleccionista privado. Barnes se vio obligado a crear la pintura a partir de su "preocupación por la aplicación justa de la ley & # 8230 la integridad del proceso legal para todas las personas, pero especialmente aquellas sin recursos o influencia".

2001: mientras observaba los trágicos acontecimientos del 11 de septiembre, Barnes se vio obligado a crear la pintura & # 8220 En recuerdo. & # 8221 Se inauguró formalmente en el Museo de Arte de Seattle y luego fue adquirido en nombre de la ciudad de Filadelfia y donado a su Museo Afroamericano. Se vendió una cantidad limitada de impresiones giclée y el 100% de las ganancias se destinó al Fondo de Becas Hero, que proporciona matrícula universitaria y gastos a los hijos de la policía de Pensilvania y el personal de bomberos que murieron en el cumplimiento del deber.

2005: Tres de las pinturas originales de Barnes se exhibieron en la Galería Whitechapel de Londres, Inglaterra en el & # 8220Back to Black: Arte, cine e imaginario racial & # 8221 exhibición de arte.

2005: Kanye West le encargó a Barnes que creara una pintura para representar la experiencia que le cambió la vida después de su accidente automovilístico casi fatal. & # 8220A Vida restaurada & # 8221 mide 9 pies x 10 pies. En el centro de la pintura hay un ángel grande que se extiende hacia una figura mucho más pequeña de West.

Octubre de 2007: exposición pública final de Barnes. La Liga Nacional de Fútbol y Time Warner patrocinado & # 8220Un tributo al artista y ex alumno de la NFL Ernie Barnes & # 8221 En nueva york.

Julio de 2018 & # 8211 Mayo de 2019: & # 8220 Las raíces de Carolina del Norte del artista Ernie Barnes & # 8221 en el Museo de Historia de Carolina del Norte en Raleigh con más de 200.000 visitantes.

Mayo & # 8211 Septiembre 2019: & # 8220Ernie Barnes: una retrospectiva & # 8221 en el Museo Afroamericano de California en Los Ángeles.

TELEVISIÓN Y PELÍCULAS AMP

Barnes apareció en un episodio de 1967 del programa de juegos. & # 8220Para decir la verdad & # 8221 Los panelistas adivinaron correctamente que Barnes era el jugador de fútbol profesional convertido en artista.

Barnes interpretó a Deke Coleman en la película de 1969 & # 8220Número uno & # 8221 con Charlton Heston y Jessica Walter.

En 1971 Barnes, junto con Mike Henry, creó el & # 8220 Super Bowl de comedia, & # 8221 un especial de variedades de televisión de CBS que mostraba a atletas profesionales con celebridades como John Wayne, Frank Gifford, Alex Karras, Joe Namath, Jack Lemmon, Lucille Ball, Carol Burnett y Tony Curtis. Un segundo especial emitido en 1972.

Barnes interpretó al Dr. Penfield en la película de 1971 & # 8220 Esposas de los médicos, & # 8221 protagonizada por Dyan Cannon, Richard Crenna, Gene Hackman y Carroll O & # 8217Connor.

Durante el & # 8220Buenos tiempos & # 8221 serie de televisión (1974-79) la mayoría de las pinturas del personaje JJ son obras de Ernie Barnes. Sin embargo, Barnes no pintó algunas imágenes, incluido un Jesús negro en la primera temporada (1974). & # 8220La choza de azúcar & # 8221 hizo su debut en la cuarta temporada del programa (1976-77) durante los créditos de apertura y cierre. En la quinta temporada (1977-78) & # 8220La choza del azúcar & # 8221 solo se utilizó en los créditos de cierre. En la sexta temporada (1978-79), & # 8220La choza de azúcar & # 8221 solo se usó en los créditos iniciales de los primeros ocho episodios y en los créditos finales de los cinco primeros episodios durante esa temporada. En la quinta y sexta temporadas (1977-79), & # 8220La choza de azúcar & # 8221 aparece en el fondo del apartamento de la familia Evans.

Barnes tuvo un pequeño papel en dos primeros episodios de & # 8220Buenos tiempos. & # 8221

La obra de arte de Ernie Barnes también se utilizó en programas de televisión. & # 8220Columbo, & # 8221 & # 8220 The White Shadow, & # 8221 & # 8220 Dream On, & # 8221 & # 8220The Hughleys, & # 8221 & # 8220 The Wayans Bros, & # 8221 & # 8220Wife Swap, & # 8221 & # 8220 Alimentos para el alma y # 8221 y las peliculas & # 8220Drumline & # 8221 y & # 8220Boyz n The Hood. & # 8221

En 1981, Barnes interpretó al famoso receptor de béisbol Josh Gibson de la liga negra en la película para televisión. & # 8220No mires atrás: la historia de Leroy 'Satchel' Paige & # 8221 con Lou Gossett, Jr., quien interpretó a Paige.

La película de 2016 "Southside contigo" sobre Barack y Michelle Obama & # 8217s la primera cita presenta la obra de arte de Ernie Barnes.

Barnes y la familia inmediata # 8217 incluyen a su padre, Ernest E. Barnes, Sr. (1899 - 1966), su madre, Fannie Mae Geer (1905 - 2004), su medio hermano Benjamin B. Rogers, Jr. (1920 & # 8211) 1970) y su hermano menor James (1942 & # 8211 2017). A Barnes le sobreviven su esposa Bernadine "Bernie" y sus cinco hijos: Deidre, Michael, Sean, Erin y Paige.

Barnes falleció el lunes 27 de abril de 2009 por la noche en el Hospital Cedars Sinai de Los Ángeles, California, de leucemia mieloide. Fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas en Durham, Carolina del Norte, cerca del lugar donde estuvo la casa de su familia, y en la playa de Carmel, California, una de sus ciudades favoritas.


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Comentarios:

  1. Jaylend

    Ya veo, gracias por la información.

  2. Chapin

    Esta frase, es incomparable))))

  3. Edgard

    Creo que estás equivocado. Estoy seguro. Discutamos esto. Envíeme un correo electrónico a PM.

  4. Araran

    Que haríamos sin tu muy buena frase

  5. Kazil

    Así como al infinito no está lejos :)



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